12 hombres sin piedad y un solo escenario.

Hace un tiempo me pidieron realizar unas ilustraciones de esta película de las que hablaré más abajo, ya que creo que primero es necesario hablar sobre ella porque merece la pena verla.

Película del 1957, pero que su argumento, desgraciadamente, no ha pasado de moda. Se trata de una crítica al sistema judicial estadounidense y nos muestra un gran desprecio a la pena de muerte. 12 hombres sin piedad (12 angry men). Doce hombres escogidos para formar parte de un jurado popular por el asesinato de un hombre a manos de su hijo de 18 años. En sus manos está que el muchacho sea llevado a la silla eléctrica o no.

12 angry men

Como protagonista principal, Henry Fonda, que en un principio se enfrenta en solitario a los once hombres que están de acuerdo con el veredicto. Fonda llenará de dudas razonables la habitación, con la intención de no condenar a un posible inocente, sin antes reflexionarlo. Con su mejor arma, la palabra, hará que los 11 hombres revisen todas y cada una de las pruebas y de los testimonios que se han dado en el juicio, con la idea de convencerles de que existe una duda razonable, y que es suficiente motivo para cambiar sus precipitados veredictos, de manera que actúen con honestidad.

Y aquí es donde nos damos cuenta de quienes son a los que verdaderamente les preocupa el caso y se toman con seriedad esa responsabilidad que se les ha asignado, y a los que no.

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Aunque transcurra en un único escenario, desquitando el prólogo y el epílogo, y pueda parecer pesada, se trata de un film en el que llegas a adentrarte y acabar convertiéndote en el decimotercer miembro del jurado, reflexionando sobre todas las teorías que cada uno de ellos defiende.

Se trata de una crítica al ser humano en general, por eso el detalle de no saber el nombre de ningún miembro, dirigiéndose unos a otros por el numero que se les ha asignado. Los personajes retratan una pequeña muestra de la sociedad, cada uno con ideales diferentes, en un bando diferente que poco a poco, uno detrás de otro, cambiará de opinión dándose cuenta de que no es tan fácil llevar a las silla eléctrica a una persona sin estar completamente seguro de su culpabilidad. La duda razonable irá afectando en las conciencias de cada uno.

Bueno, pues hace unos meses me pidieron realizar unas ilustraciones sobre la habitación donde transcurría la película. Fueron dos ilustraciones del escenario desde dos puntos de vista diferentes. El trabajo fue duro, ya que la única forma era realizar capturas de pantalla cada vez que se veía una pared, puerta o silla nueva.

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Por último, se escanearon y se les dio color en tonos grises jugando con los pinceles de Photoshop.

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Saul Bass y el diseño para “El Resplandor”

El viernes vi por segunda vez El Resplandor, y nunca imaginé que un hombre disfrazado de oso pudiera darme tanto miedo. Sin presencia de escenas oscuras y tenebrosas en todo el film, esta es la película más terrorífica con la mejor dirección de arte que he visto en mi vida. Mientras miraba fascinada la belleza de las imágenes compuestas por planos geométricos, y escuchaba los fantásticos efectos sonoros, me estaba muriendo de miedo. Nunca pensé que escenas con tanta luz y color pudieran causar tanto terror.

A parte de esto, se dice que contiene varios mensajes ocultos que homenajean al pueblo indio norteamericano, como también se comenta que se trata de una crítica a la sociedad norteamericana actual. Hay muchas teorías sobre los pequeños detalles que nos muestra la película y que comentaré en otro post.

Hoy quiero hablar sobre el cartel de promoción de El Resplandor que Stanley Kubrick le encargó a Saul Bass. Teniendo en cuenta lo perfeccionista que podía llegar a ser el director, nos podemos hacer una idea de la difícil tarea que tuvo que realizar el diseñador. Bass llegó a realizar 300 versiones del cartel hasta dar con el definitivo.

Aquí tenéis la carta que le escribió Saul Bass a Kubrick pidiendo opinión respecto a los nuevos diseños y el póster definitivo. Atención a su firma con una perca (Bass en inglés) con su cara.

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Querido Stanley:

 Aquí están los cinco diseños que han surgido del trabajo que he llevado a cabo desde que regresé. Estoy muy contento de todos ellos y podría darte muchas razones por las que creo que serían fuertes y efectivos identificadores de la película. Pero el que más me gusta es el número uno. Es provocador, emocional y da miedo. Tiene tamaño y promete una película que nunca he visto. Y se reduce de forma bonita. La reacción por aquí, entre mis socios, es parecida. Al igual que la de Sid Ganis, que vino hace unos días para ver en qué estaba trabajando. Todo el mundo tuvo una respuesta intensa hacia todos los carteles por diferentes motivos, pero de forma interesante, todos prestaron atención (sin preguntar) en este, por las mismas razones.

 ¿Qué opinas?

 Saludos cordiales.

 Saul Bass.

 PD: El boceto número 5 está pensado en tándem con otra copia que iría sobre un cielo negro, con las siguientes líneas:

“Se requiere ayuda: Alguien que se ocupe de un hotel-resort fuera de la temporada. Bloqueado por la nieve durante cuatro meses. Vecino más próximo a 70 millas, etc.”

Y aquí están algunos de los bocetos de Bass con las notas escritas a mano de Kubrick, donde podemos ver reflejado su perfeccionismo con estos apuntes secos y directos.

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– La mano y la bici son demasiado irrelevantes.

– El título se ve mal en pequeño. Parece que falta tinta en la parte iluminada. 

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– Parece una película de ciencia ficción.

– Difícil de leer, incluso a este tamaño.

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– El laberinto y las figuras enfatizan demasiado el laberinto. No creo que debamos usar el laberinto en los anuncios.

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– Laberinto demasiado abstracto y demasiado énfasis en el laberinto.

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– No me gusta el trabajo artístico. El hotel parece peculiar. El trabajo artístico también parece demasiado disperso, demasiado desparramado. No es suficientemente compacto.

– No me gustan los puntos para el logo. No se verá bien en pequeño. Incluso en este tamaño es difícil de leer.

Y aquí el cartel final:

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Mi análisis personal es que, al menos aquí, se deja claro cual es el género del film, con la expresión de pánico y terror del rostro que vemos en el interior de las letras.

Puede ser que esa luz amarilla que ilumina la cara pertenezca a los destellos (los resplandores) que el niño sufre durante la película, que le llevan a visualizar escenas terroríficas.

Por otro lado, la composición de las letras y sus formas geométricas forman una especie de laberinto donde el rostro se encuentra atrapado, sin salida, en un oscuro fondo.

Teniendo en cuenta el característico estilo de Saul Bass, este cartel me parece de lo más extraño. Sinceramente, no sé si realmente me gusta o no. Pero sí sé que transmite todos los sentimientos de terror y angustia que el film intenta representar.

Imágenes sacadas de: The Fox Is Black

La historia de los logos de Hollywood

El post de hoy va dedicado a esos logotipos que todos hemos visto alguna vez en las pantallas del cine, con nuestras palomitas en la mano y con esa emoción que sentimos cuando está apunto de empezar la película (Como yo el otro día viendo comenzar el Hobbit, pensé que me moría de la emoción).

Nunca te paras a pensar en los años que tendrán o en quienes serán las personajes que aparecen en ellos, como el niño de Dreamworks o la mujer de Columbia. Pues yo me paré a pensar. Y me entró tanta tanta curiosidad que me puse a buscar. Me pareció tan interesante que se merece un post hecho y derecho.

Hoy os hablaré de Dreamworks, Metro-Goldwyn-Mayer20th Century Fox Paramount Pictures, y más adelante de Universal Pictures, Columbia y Warner Bross.

DREAMWORKS

Comenzamos con Dreamworks. Este estudio fue creado en 1994 por el director Steven Spielberg, el presidente de Disney Jeffrey Katzenberg y el productor musical David Geffen, y si os fijáis en las letras SKG en la parte inferior de la palabra DREAMWORK veréis que se trata de las iniciales del apellidos de cada uno. Lo que Spielberg tenía en mente era que el logotipo recordara a la edad de oro de Hollywood, por lo que se realizó un logo con la imagen de un hombre pescando sobre la luna creado por ordenador.

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Cuando el Supervisor de Efectos Especiales de Industrial Light and Magic, Dennis Muren, que había trabajado en muchas películas de Spielberg,  vio el trabajo le aconsejó que un logotipo pintado a mano sería mucho mejor. Por lo que Murren le pidió a su amigo ilustrador Robert Hunt que lo pintara. Hunt hizo dos versiones, la que Muren le pidió y otra alternativa, un niño pescando en la luna. Spielberg lógicamente eligió su versión modificada. Lo curioso de este logotipo es que el niño que aparece en el logotipo es el hijo del ilustrador Hunt, y que podéis ver en la imagen inferior.

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Finalmente, el logotipo que vemos en las películas se hizo con la colaboración de ILM (Industrial Light and Magic), el productor de animación y efectos visuales Clint Goldman, y el diseñador Dave Carson.

METRO-GOLDWYN-MAYER

En 1924 el publicista Howard Dietz diseñó el logotipo de “Leo el León” para la productora Goldwyn Picture Corporation, de Samuel Goldwyn. Se basó en las mascotas del equipo de atletismo de la Universidad de Columbia (aquí la imagen). Más tarde Goldwyn Pictures se fusionó con Metro Pictures Corporation y Louis B.Mayer Pictures, pero Metro Goldwyn Mayer mantuvo su logotipo.

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Desde entonces ha habido tres leones en el papel de “Leo de León“. El primero fue el león Slats, abriendo las puertas del cine mudo de la MGM entre 1924 y 1928. Le siguió el león Jackie, cuyo rugido fue oído por el público aunque las películas de aquel entonces siguieran siendo mudas. El rugido se reproducía en el fonógrafo a la vez que el logo aparecía en la pantalla. También fue el primer león que salió en Technicolor en 1932. El tercer león y el más famoso fue Tanner, más tarde hubo una breve aparición de un león sin nombre y finalmente apareció el último llamado “Leo de León” utilizado desde 1957 hasta hoy.

20th CENTURY FOX

En 1935 Twentieth Century Pictures y Fox Film Company se fusionaron para crear Twentieth Century-Fox Film Corporation. El logo original se creo por el paisajista Emil Kosa Jr en el año 1933. Después de la fusión entre las dos compañías Kosa simplemente reemplazó el “Pictures, Inc” por “Fox“.

Se han realizado una cantidad de variaciones del logo para diferentes películas desde los años 40 hasta ahora. He encontrado algunas bastante interesantes, así que las dejo en esta galería.

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PARAMOUNT

En 1912 Adolph Zukor y los magnates del teatro Daniel y Charles Frohman, crearon Famous Players Film Company, pero no se conoció como Paramount Pictures hasta 1916, cuando se fusionaron con Jesse L. Lasky. El logotipo que hoy en día protagoniza la gran Majestic Mountain fue dibujado por primera vez por W.W. Hodkinson (presidente de Paramount en aquel entonces) durante una reunión con Zukor, inspirándose en la montaña Ben Lomond de su Utah natal, aunque se cree que la montaña que aparece en logos posteriores es el Artesonraju de Perú. Creado, como se ha dicho al principio, en 1912, el logotipo de Paramount se considera el más antiguo de Hollywood que ha llegado hasta nuestros días.

Originalmente, la montaña se encontraba rodeada por 24 estrellas que simbolizaban a cada una de las 24 estrellas contratadas de cine por Paramount. Ahora solo tiene 22, aunque nadie sabe por qué redujeron el número.

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Curiosidades del rodaje de Pulp Fiction

Hoy me meto en curiosidades del cine y dejo un poco de lado el diseño gráfico.

El sábado fui a ver el Hobbit y a la vuelta vi que estaban dando la grandísima “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino en la televisión, así que me puse a verla por cuarta o quinta vez. Al terminar me acordé del enlace que compartió un amigo mío en facebook con algunas de las imágenes del rodaje del film, que guardé como oro en paño para crear este post. Para enriquecerlo un poco más he buscado algunas curiosidades del rodaje dignas de mencionar.

Aunque sea un clasicazo del cine negro, supongo que muchos lectores no habréis visto la película, pero de verdad la recomiendo. El reparto es inmejorable: Uma Thurman, John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson… Y tiene una estructura narrativa perfecta, creada en forma de puzzle y dividida en capítulos, que finalmente encaja a la perfección.

Disfrutadlas.

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– Los papeles de Honey Bunny y Pumpkin fueron escritos especificamente para los actores Amanda Plummer y Tim Roth.

– Una de las escenas eliminadas del film es la de Jules pensando qué hacer mientras Pumpkin y Honey Bunny atracan la cafetería. En esa escena Jules apunta la pistola debajo de la mesa y dispara a Pumpkin matándolo. Rápidamente se da la vuelta y dispara a Honey Bunny tres veces, matándola también. La escena vuelve con Jules hablando con Pumpkin, ya que todo había ocurrido en su mente.

– Y ya que hablamos de esta secuencia, cuando Pumpkin recopila todas las carteras del restaurante, Jules saca la pistola, le apunta y le pide que le entregue su cartera de nuevo. Pumpkin le pregunta cuál es y él le contesta “la que pone hijo puta peligroso (bad mother fucker) “. Esa cartera pertenece en realidad a Quentin Tarantino.

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– El Chevelle Malibu rojo descapotable de 1964 de Vincent era en realidad el coche de Tarantino. Lo adquirió con los diez mil dólares que ganó por la historia de la película “Asesinos natos“. Después de comprarlo le pareció difícil de mantener, y tenía bastante miedo de que al ser descapotable, pudiera ser víctima de un asalto. Por lo que intentó convencer a todos los miembros del equipo y a los actores para que le compraran el coche por 10.000 dólares, pero no encontró comprador. Más tarde el coche fue robado durante el rodaje.

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– Travolta comentó que los movimientos de su famoso baile están basados en el baile de “Watusy” de la película de Batman de 1966. (aquí la escena: https://www.youtube.com/watch?v=Jid6FMNHh6E)

– Y Uma Thurman basó su baile en el personaje de Duquesa de “Los Aristogatos“.

– Este decorado del restaurante “Jack Rabbit Slims” fue construido por Tarantino y sus amigos con el presupuesto de 150.000 dólares. En producción se había calculado en un principio que costaría medio millón de dólares.

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– Cuando Mia llega a ese estado de sobredosis, no es porque haya consumido demasiada cocaína. Lo cierto es que coge la bolsa del abrigo de Vincent, que no es cocaína, si no heroína. Demasiado fuerte para ser esnifada, y que debe ser inyectada.

– Quentin se informó de que, para sacar del estado de sobredosis en la vida real a Mia bastaba con administrarle un chute de agua salada, pero a Tarantino no le causó impresión alguna y uso adrenalina para dar más énfasis al asunto.

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– El papel de Vincent Vega era en un principio para Michael Madsen (Sr Marrón en Reservoir Dogs), pero este lo rechazó ya que aceptó trabajar en otra película. La productora de “Pulp Fiction” no estaba del todo convencida con el pobre Travolta, y sugerían para el papel de Vincent a Mel Gibson, Kevin Costner o Tom Hanks. A mí, personalmente, no me gusta demasiado John Travolta, pero en esta película me quito el sombrero.

-Con Bruce Willis fue distinto. El mismo se ofreció para el papel de Butch.

la_semilla_del_diseno_pulp_fiction_rodaje_6– Cuando Butch entra en la tienda tiene que escoger entre un martillo, un bate, una katana y una motosierra. Finalmente elige la Katana. Homenaje de Tarantino al cine oriental. Más tarde será utilizada en Kill Bill.

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– Samuel L. Jackson hizo el casting para el papel de Sr. Naranja en “Reservoir Dogs” pero finalmente fue para el actor Tim Roth. A Tarantino le impresionó tanto el trabajo de Samuel que escribió el papel de Jules especialmente para él.

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– Uma Thurman está descalza prácticamente en todo el film, y Vincent y Jules tienen una conversación sobre el significado de un masaje en los pies. Se debe al fetichismo de Tarantino por lo pies de mujer. Por lo que también los vemos presentes en otras de sus películas como Death Proof, Kill Bill volumen 1, Kill Bill volumen 2,  o Jackie Brown.

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– En realidad, esta película es la recopilación de tres guiones que Quentin había escrito de joven para realizar tres cortos. En un principio, iban a ser cuatro, pero una de ellas se independizó convirtiéndose más tarde en “Reservoir Dogs”

– Y hablando de esto diré también que el Sr Marrón se llama Vic Vega, mismo apellido que Vincent Vega. Se dice que podrían ser hermanos.

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– Hay un plano inspirado en una de las escenas de “Psicosis” de Alfred Hitchcock. Cuando Butch se para con el coche en un semáforo y observa pasar delante suyo a Marsellus Wallace, el hombre con cuyo dinero a huido. En la película de Psicosis, Janet Leigh le roba a su jefe 40.000 dólares, y al huir ve como cruza la calle justo por delante de su coche.

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– En un principio, Uma Thurman rechazó el papel de Mia Wallace. Pero Tarantino estaba tan desesperado porque realizara ese papel que acabó llamándola por teléfono y leyéndole el guión entero, convenciéndola finalmente para que hiciera el papel. Años más tarde volvió a hacer algo parecido con el papel de Beatrix Kiddo en Kill Bill. La llamó de madrugada para contarle ideas que le habían surgido para la película.

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– Tarantino hizo el papel de Jimmie. En un principio dudo entre el de Lance o el de Jimmie, pero finalmente se decantó por el último porque quería estar detrás de las cámaras en la escena de la sobredosis de Mia.

– En la escena en la que Vincent le clava la jeringuilla de adrenalina a Mia, la verdadera grabación fue Travolta sacando la aguja del pecho. Lo que Tarantino hizo fue reproducir la película al revés.

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– Cuando Butch va a recuperar el reloj de oro, se oye la radio de fondo diciendo que el trofeo de baile del Jack Rabbit Slim (el restaurante donde Mia y Vincent hacen el famoso baile) ha sido robado. Por lo que no ganaron el premio, lo robaron.

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Imagenes sacadas de www.filmin.es

Información sacada de www.eraseunavezelcine.wordpress.com y www.cineol.net

Versiones de “Vértigo” en diferentes países.

Después del “modo off” de las vacaciones de navidad, dedicándome básicamente a comer como si no hubiera mañana, arranco con el blog publicando mi primer post. Ayer volví a ver “Vértigo” de Hitchcock, y al acabar me dije… “voy a buscar las diferentes versiones de cartelería que se crearon en cada país” y lo hice. Aunque la versión más extendida fue el diseño que realizó Saul Bass, (que por cierto, también creó los títulos de crédito del film) descubrí otros la mar de interesantes. Vértigo es una espiral de amor, muerte, obsesión, necrofilia y acrofobia, y se plasmará en cada uno de los diseños.

Como acabo de comentar, esta es la versión más extendida creada por Bass. Es uno de lo carteles que aparecen en casi todas las clasificaciones oficiales que se han hecho incluyendo a los 10, 25 o 50 mejores carteles de la historia del cine. Es un cartel simple pero refleja la idea de la película, la espiral en la que se encuentra el protagonista en un abismo insalubre.

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Ahora comenzamos con los no tan conocidos. He encontrado la versión japonesa, que nada tiene que ver con el diseño de Saul Bass. Se trata de un caso mas explícito, ya que se basa en escenas y escenarios de la película dando a entender principalmente que hay un romance, dejando de lado la angustia y el misterio que el protagonista sufre desde la mitad de la película hasta el final.

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El diseño alemán contiene muchos más elementos. En primer lugar el ojo con la espirar insertada en la pupila, elemento principal de los títulos de crédito. A la derecha los retratos de Madeleine y Judy, las dos caras de una misma moneda. El de Judy en segundo plano, con un tono más grisáceo y frío. A la izquierda el momento de la caída desde el campanario y la expresión de angustia y sufrimiento de James Stewart ante la aterradora escena. Todo esto, junto con el color rojo que nos transmite violencia, sangre, pero a la vez amor y pasión, hace que para mí sea uno de los carteles más completos.

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Y por último la versión polaca. Es el diseño más diferente y peculiar de todos los que he visto. Se trata de una calavera que hace referencia principalmente a la muerte, cuya dentadura muerde el título de la película en polaco, y a su vez, en la parte inferior, la silueta de dos piernas, como si devorara a un hombre. Aunque no estoy muy segura, supongo que esos círculos en forma de diana harán referencia a la espiral, símbolo predominante del film.

¿Por qué la imagen tan clara de la muerte? Porque es el tema principal del film, predominando entre el amor, las fobias y la obsesión…  Ya que la película se basa en una mujer muerta que parece tomar vida en el cuerpo de otra mujer con tendencias suicidas, que se convierte en la amada de Scottie y más tarde en su amada muerta.

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Estos han sido, para mí, los más interesantes, pero aquí dejo una galería con otras versiones que merece la pena echa un ojo. Espero que a los que han leido el post pero no han visto la película les entren ganas ganísimas de verla porque merece la pena.

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Categorías: Títulos de crédito

Antes de que existieran los títulos de crédito, el telón se levantaba en el cine justo antes de empezar la película. Más adelante, George Meliès hizo los primeros experimentos de animación de letras al principio de los films, con el único fin de informa sobre los nombres del equipo artístico y técnico. Pero el diseñador gráfico Saul Bass convirtió los comienzos de las películas en verdaderas obras de arte, resumiendo la película y restituyéndola de manera moderna y gráfica. A partir de ahí se han creado infinidad de títulos de crédito que no tienen nada que envidiar a cualquier obra de arte. Por lo que iré compartiendo los más interesantes para que podamos analizarlos y disfrutarlos.