Hitchcock y el plano secuencia de un “crimen perfecto” en La Soga

Cuando a Hitchcock lo llaman genio es por haber creado sobre todo, cosas como esta: La Soga (Rope), de 1948. Este director es capaz de elegir un reparto tan bueno que consiga actuar en tiempo real durante unos 10 minutos, sin ningún corte. Es lo que hizo en esta película, que fue una gran oportunidad para los actores, ya que demuestran su gran profesionalidad mediante estas ininterrumpidas actuaciones. Y es que es increíble el falso plano secuencia de toda la película, y digo falso debido a las limitaciones de la bobina, que en esos años duraba, como he comentado antes, unos 10 minutos, por lo que el director tuvo que realizar varios cortes. Pero supo disimularlo de tal forma que son pocos los cortes que llegamos a apreciar, ya que juega con el acercamiento de la cámara en la vestimenta de los actores, creando un oscuro plano que empatará con el siguiente. Pero mejor empecemos desde el principio:

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Fue la primera película que Hitchcock rodó en Technicolor, por lo que se cuidó al máximo la imagen a la hora de realizar el rodaje. Se trata de una historia basada en hechos reales y llevada al cine como tal. Ese plano secuencia tan espectacular nos muestra una obra teatral en la que la cámara juega continuamente con diferentes planos y puntos de vista diferentes. La cámara recorre el escenario con gran soltura demostrando un gran manejo de la misma.

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El argumento es más o menos el siguiente: Dos estudiantes universitarios, aparentemente homosexuales (en la película no se menciona la orientación sexual, pero hay bastantes detalles que lo confirman) deciden cometer el crimen perfecto asesinando a un compañero de ambos, cuyo cuerpo esconderán en un arcón de madera en el cual se servirá la cena de algunos de los familiares y amigos de la víctima que estarán invitados esa noche por los dos criminales como engaño. Una fiesta que se celebrará a modo de despedida por el ya asesinado compañero. Eso sí, nadie lo sabrá. Pero uno de los invitados, el astuto criminólogo profesor de los protagonistas James Stewart (grandiosa actuación), que siempre a sostenido que el crimen perfecto no existe, tendrá sus sospechas.

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Tenemos que tener en cuenta que nos encontramos con dos personajes totalmente opuestos. Brandon, un joven brillante e intelectual, muy seguro de sí mismo y con cierta superioridad hacia los demás, que se encuentra excitado por el crimen que acaban de cometer. Y Philip, mucho más débil, nervioso, indeciso, siempre a la sombra de Brandon sin tomar nunca sus propias decisiones, y que se encuentra acomplejado por la acción que acaban de realizar. Por lo que, esta mezcla de sentimientos de cada uno, crearán una increíble tensión en el transcurso de la fiesta.

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Lo más interesante de esta historia es que el “superhombre” de Nietzsche esta muy presente en el film, ya que a raíz de esa teoría, a lo que Brandon quiere llegar con el asesinato es a demostrar que ese acto puede llegar a ser un arte, solo si la persona que lo realiza es superior intelectualmente que la víctima. Es decir, las leyes sociales que los hombres han creado van dirigidas a las personas mediocres mientras que una persona de gran intelecto y superioridad fabrica las suyas propias.

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La película no tiene unos títulos de crédito para echar cohetes, pero he encontrado tres versiones en Vimeo muy interesantes. El primero me ha gustado bastante, puede que el que más. Trabajo de una estudiante de diseño gráfico (Analia) pero que por desgracia no he podido encontrar más información sobre ella desquitado su cuenta en Vimeo. La estética es muy Saul Bass y la música es brillante.

El segundo es de Alejandro Avalo, y lo único que he podido encontrar de él es su intesante flickr. Esta versión es mucho más moderna y oscura, y simplemente nos muestra todos los objetos identificativos de la película que junto con la música nos transmite un misterio descomunal. Para mi gusto, excesivo.

Y por último, la versión de Nelson Zagalo, Profesor en la Universidad de Minho (Portugal). En este caso se ha optado por la simple cuerda que tanta presencia tiene en el film, que finalmente acaba formando el título de la película. Los tres me han gustado bastante ya que tienen un estilo completamente diferente, pero todos encajan perfectamente con el argumento del film, aunque quizás el último sea el que menos me ha convencido.

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Polanski y su polémica semilla del diablo

Hoy voy a hablar sobre la increíble obra de culto de 1968 Rosemary’s baby de Roman Polanski, pero que en España, fieles a inventarse completamente la traducción de los títulos, la titularon “La semilla del diablo“, que obviamente destroza gran parte del argumento. De todas formas, me sirvió de gran ayuda a la hora de inspirarme en el título del blog. Voy a dedicarle dos categorías por ser una de mis películas favoritas, por lo que compartiré fotografías de rodaje y a su vez algunas curiosidades del mismo. Y por último comentaré el mejor cartel junto con los 3 peores.

Se trata de un film de terror que destaca por la paranoia de su protagonista, envuelta en un ambiente obsesivo y amenazador, donde el terror se transmite mediante el ambiente, los espacios, la luz y el color. Es decir, nos consigue inquietar sin necesidad de utilizar ningún efecto visual, simplemente echando mano del lenguaje cinematográfico.

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Para refrescar la memoria, recordaremos que se basa en un joven matrimonio que se traslada a un edificio situado frente al Central Park de la cuidad de Nueva York, que según un amigo de ambos, pesa una gran maldición. Una vez instalados se hacen muy amigos de sus dos vecinos, que les prestan una excesiva atención. Más adelante, el matrimonio decide tener un hijo, pero cuando Rosemary’s (Mia Farrow) se queda embarazada solo recordará haber hecho el amor con una extraña criatura, que le dejará el cuerpo repleto de marcas.

He conseguido recopilar algunas curiosidades del rodaje, y algunas han conseguido ponerme los pelos de punta.

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– Polanski no quería que el bebe de Rosemary se mostrase en ningún momento, convencido de que así daría mucho más miedo (razón no le faltaba). Pero los productores opinaban que al público había que enseñarle el monstruo, por lo que, a disgusto de Polanski, se incluyó en el montaje final unos ojos rojos de felino fotografiados con filtros rojos.

– La película es una adaptación al cine de la obra literaria del mismo nombre de Ira Levin. Fue la primera película americana de Polanski, y se empeñó en conseguir la mejor adaptación posible del libro, hasta el punto de copiar con grandísimo detalle los colores de los decorados y de la ropa de los personajes.

– Mia Farrow pone voz a la nana que se oye al inicio y al final del film.

– La actriz tuvo de comer realmente hígado crudo para la escena de la película.

– Se rodó en el Edificio Dakota de Nueva York. Un edificio que ha alojado a celebridades de todo el mundo. Uno de los más famosos fue John Lennon, que vivía allí junto a Yoko Ono, y que fue asesinado en la misma puerta de su casa, lo que etiquetó al edificio como “El edificio maldito“.

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– La película fue clasificada X en Inglaterra, donde llegaron a cortar escenas y diálogos, y estuvo prohibida en algunos países sudamericanos por sus alusiones satánicas.

– Precisamente por jugar con ese tipo de argumento, la película consiguió el “honor” de ser criticada y cabrear por igual a satánistas y católicos.

– Tras grabar La semilla del diablo, Polanski y su familia fueron amenazados de muerte por diferentes sectas satánicas que acusaron al director de haber revelado sus rituales secretos en pantalla.

-Un año después del rodaje de la película, Sharon Tate, mujer de Polanksi, que hizo un cameo en la película, fue asesinada juntos con cuatro amigos por la banda de Charles Manson, en una fiesta en su casa de Beverly Hills. La mujer del director estaba embarazada de 8 meses.

– Charles Manson explicó que el asesinato fue a causa de enfado que tenía con Polanski por revelar demasiados secretos satánicos en la película, y que por eso debía pagarlos con sangre.

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Para la película se diseñaron gran cantidad de versiones del cartel, algunos bastante buenos, como el que voy a comentar a continuación, y otros bastante pésimos. El que tengo guardado con gran aprecio es esta versión Belga.

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Vemos como los colores vivos con los que se ilustra el rostro de Rosemary transmiten ese entusiasmo que la protagonista siente al principio de la historia, y que podemos apreciar en el film, mediante la luz, los coloridos vestidos de ella, su pelo, su expresión… todo el conjunto representa la ilusión que siente con el esperado embarazo. Pero le rodea un degradado que acaba convirtiéndose en un oscuro fondo, haciendo referencia a como poco a poco va adentrándose en ese ambiente obsesivo y amenazador, lleno de sospechas y miedos. Este proceso lo vemos en el transcurso de la película, donde la luz y los colores se van oscureciendo, y su corte de pelo y su expresión cambian a un estado más triste y preocupante. Por otro lado, la silueta del carrito en primer plano nos hace intuir como algo extraño va a ocurrir con el bebe, situado en la cima de una gran montaña en medio de la oscuridad. Me parece un cartel muy completo y estético a la vez.

Y después de comentar la que personalmente, me parece mejor versión, os dejo las peores que he visto y que dejo libremente que juzguéis vosotros mismos…

(Enlace a todas las versiones)

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El borroso recuerdo de “In The Mood For Love”

Hoy hablaré de una película que vi hace poco y me dejó impresionada, y aunque no soy muy de películas de amor esta me ha cautivado, y se merece un buen post. Se trata de la obra de arte cinematográfica  In The Mood For Love (2000) del director Wong Kar-Wai y ganadora del premio Cannes a mejor actor (Tony Leung) y del premio Cesar a mejor película extranjera. Es una delicada historia de amor reprimido, del recuerdo de lo que pudo ser pero nunca llegó a serlo. Habitaciones cargadas, pasillos asfixiantes e intensa lluvia se unen para maltratar todavía más ese amor de deseos imposibles. Un amor tan fuerte que la despedida debe ser ensayada como si eso fuera a hacerla menos dolorosa.

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Contiene gran belleza y simpleza, donde los protagonistas nunca dicen lo que piensan ni lo que sienten, pero que se transmite mediante planos llenos de expresividad. Miradas, gestos, colores, sonidos… un conjunto de detalles que nos refleja todo el sentimiento que esconden envueltos en miedo y cobardía.

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Dos casadas y solitarias personas, con sus respectivas parejas viajando continuamente. Se mudan a la vez en el mismo edificio habitado principalmente por personas de Shangai. Poco a poco sus vidas se cruzan y sin quererlo van alimentando ese amor oculto que irán reteniendo y les destrozará por dentro. Envueltos en un ambiente de rumor entre vecinos, Wong consigue que nos sintamos acechadores de los personajes, como un vecino más que espía entre las cortinas con escenas grabadas a través del marco de la puerta, detrás de una ventana o reflejados en un espejo.

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La película en sí es un recuerdo, nos enseña qué es lo que queda grabado en nuestra memoria y como es transformado por nuestros recuerdos. Por eso hay tantos saltos de tiempo y de espacio. Nos perderíamos entre escena y escena si no fuera por los detalles que nos guían por esa borrosa historia. Como por ejemplo los vestidos de llamativos estampados de ella, elemento clave para marcar esos saltos y cambios.

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Así que después de buscar los carteles oficiales de la película, me decepcioné bastante. Sinceramente creo que las 3 versiones más conocidas, es decir, la japonesa, la francesa y la estadounidense, no transmiten la esencia de la historia. Deberían haber sido más impactantes y más acordes con ese amor imposible y reprimido que nos plasma el film. Las imágenes de los dos primeros nos muestran un apasionado contacto físico que nunca llega a estar visualmente presente en el film. Puede que el estadounidense sea el más acertado, con la imagen de ella cabizbaja, y él frente a ella con esa cobardía que le impide hasta tocarla.

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Pero descubrí el cartel perfecto de la diseñadora Rebecca Leigh, que refleja todos los sentimientos a la perfección. Nos muestra el deseo de los protagonistas por estar juntos, con esa expresión de nostalgia y soledad, y como una gran barrera los mantiene separados. Pero lo mejor es la abstracción que se crea en la parte superior, haciendo referencia a esos recuerdos borrosos que quedan de lo que pudo ser y no fue o no se supo cómo hacer que fuera.

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Y para acabar, os dejo la bso, porque si con lo que habéis leído aún dudáis en verla, cuando escuchéis esto es posible que cambiéis de opinión 😉

La historia de los logos de Hollywood vol.2

Hace unas semanas Dreamworks, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox y Paramount Pictures fueron los protagonistas del blog, pero Columbia Pictures y Warner Bros han esperado unos días más. Los dejé para el final porque me parecen muy potentes, y la historia de cada uno no tiene desperdicio. A partir de ahora nos fijaremos más en los comienzos de las películas, buscando esas geniales variaciones que nos regalan estás grandes productoras al comienzo de cada película.

WARNER BROS

Warner Bros se creó gracias a los cuatro hermanos judíos llamados Harry, Albert, Sam y Jack Warner, que emigraron de Polonia. Aunque no eran sus nombres reales. Harry era “Hirsz”, Albert “Aaron”, Sam “Szmul”, y Jack “Itzhak”. El apellido tampoco era el original, pero no está muy claro si era “Wolsal”, “Wonskolaser” o “Eichelbaum”.

Al principio, no fue fácil para Warner Bros encontrar estrellas que quisieran trabajar para ellos, pero en 1925 gracias a la insistencia de Sam decidieron lanzar la primera película hablada, y este fue el inicio de la fama de Warner Bros en Hollywood. Harry, al escuchar la propuesta de Sam hizo la famosa frase “¿Quién demonios quiere escuchar a los actores hablar?”

A raíz de ahí, el logotipo de Warner Bros ha ido variando constantemente, hasta 11 veces. Así que aquí os dejo los diseños desde 1923 hasta ahora:

22 de septiembre de 1923 / 30 de agosto de 1929

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7 de noviembre de 1929 / 29 de agosto de 1936

la_semilla_del_diseno_warner bros_version_227 de julio de 1935 / 23 de octubre de 1937

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25 de diciembre de 1937 / 7 de abril de 1948

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25 diciembre de 1937 / 7 abril de 1948

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28 de septiembre de1967 / 29 de julio de 1970

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3 de agosto 1970 / 10 de marzo de 1972

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24 de mayo de 1972 / 29 de noviembre de 1972

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21 de diciembre de 1972 / 18 de mayo de 1984

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8 de junio de 1984 / 19 de enero de 2001

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16 de enero de 1998 / –

la_semilla_del_diseno_warner bros_version_11Estas son algunas variaciones que han realizado para el inicio de algunas películas:

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COLUMBIA PICTURES

Los hermanos Harry y Jack Cohn y Joe Brandt de Cohn-Brandt-Cohn Film fundaron Columbia Pictures en 1919 .

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Al comienzo, sus producciones del estudio eran de bajo presupuesto, pero en el año 1924 los dos hermanos compraron Brandt y renombraron el estudio para mejorar su imagen, con el nombre de Columbia Pictures Corporation. En ese mismo año se creó el logotipo con la imagen de Columbia, es decir, la personificación femenina de América.

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La identidad de la modelo nunca fue revelada, aunque hay cantidad de mujeres que aseguran serlo. Bette Davis contó en su biografía de 1962 que, Claudia Dell fue la modelo, mientras que en 1987, en la revista People se dijo que la mujer de la antorcha era la actriz Amelia Batchler.

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Años más tarde, en el 2001, El Chicago Sun-Times nombró a la modelo Jane Bartholomew, que trabajaba como extra en Columbia, como la verdadera modelo. Se podrían afirmar las tres menciones ya que, viendo como ha cambiado el logotipo durante todos estos años, pudieron haber sido las 3, o incluso más, las “mujeres Columbia”.

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El logotipo actual fue diseñado por Michael J. Deas en 1993, a quien Sony Pictures Entertainment pidió devolver a la dama su aspecto original. La gente pensaba que la actriz Annette Bening fue la modelo, pero fue en realidad una ama de casa de Louisiana (EEUU) llamada Jenny Joseph la que ofreció su imagen a Columbia Pictures por 25 dólares. Y en vez de usar su cara, Deas dibujó una composición de muchas características creadas por ordenador.

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Y para terminar, como en Warner Bros, Columbia Pictures tambien nos ha sorprendido con fantásticas variaciones como estas. Disfrutadlas:

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