Hitchcock y su Storyboard para “Los Pájaros” 1963

Hace unos días me envolví en el mayor de los suspenses mientras veía “Los pájaros” (The Birds, 1963) de Hitchcock, que más tarde me incitó a investigar el duro y perfecto trabajo que una película Hitchcockiana conlleva. Sobretodo las guías utilizadas a la hora de entender, previsualizar o seguir la estructura de la película antes de que está empiece a realizarse o filmarse.

Había leído que el director fue un verdadero entusiasta de los storyboards y que siempre hacía uso de ellos a la hora de planificar las escenas más complicadas de sus películas. Llegaba al punto de tener una visión tan clara de lo que quería que raramente miraba a través de la cámara. Se podría decir que este maestro tenía la película completamente terminada en su cabeza antes de que esta empezara a ser filmada.

He encontrado el guión gráfico de una de las mejores escenas de la película creados por el director artístico y dibujante Harold Michelson, (que también trabajó para Hitchcock en la película Marnie) comparando el boceto con la imagen final de los primeros 4 minutos. Más abajo os muestro el resto del storyboard de la escena completa.

(SPOILER) Pero antes de nada quisiera compartir con vosotros una curiosidad del final de esta película. En el guión original de Hitchcock se contempla a los protagonistas, que terminan escapando de los pájaros, llegando a San Francisco y dándose cuenta de que hay pájaros posados por todo el puente Golden Gate y los edificios. Este final fue suprimido debido a la falta de recursos monetarios y tecnológicos, por lo que la escena final es la de los protagonistas huyendo de Bahía bodega en el coche de Mitch.

Ahora sí, que disfrutéis de estas pequeñas obras de arte 😉 y si de verdad os apasiona el diseño en el cine os aconsejo la página de facebook de la semilla  www.facebook.com/lasemillaDD

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La última gran obra de Kubrick “Eyes Wide Shut”

Hoy hablaré sobre Eyes Wide Shut (1990) por ser la última película de Stanley Kubrick y tratarse de una impresionante historia más psicológica de lo que puede aparentar a primera vista, una característica fundamental del director. Se trata de una adaptación del libro de Arthur SchnitzlerRelato Soñado“, en el que se habla de las relaciones maritales a través del miedo de los celos, las fantasías sexuales y la infidelidad.

Bill (Tom Cruise) es un médico neoyorquino al que la vida parece ir muy bien, tiene una buena y preciosa mujer, una encantadora hija y un trabajo que le apasiona. Stanley nos muestra a una pareja totalmente confiada y segura de si misma, tanto que llega a ser extremista cuando los dos acuden a una fiesta y cada uno se permite el lujo de coquetear con personas del sexo opuesto, siempre manteniendo los límites que separan lo permitido a lo prohibido y deseado.

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Al día siguiente de la fiesta, después de fumar marihuana, Alice (Nicole Kidman) le cuenta a su marido una historia en la cual aparece otro hombre de por medio. Durante unas vacaciones, sintió un deseo incontrolable por un oficial de la marina que se alojaba en el mismo hotel y que, si él se lo hubiera pedido, habría abandonado a su marido y a su hija.

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A partir de este momento, el momento en el que Alice se sincera y le hace ver que la relación de ambos se ha mantenido con una extrema confianza, pero que realmente jamás han abierto sus corazones hasta el punto de contarse el uno a otro un gran secreto como ese, Bill cambia totalmente de estado anímico, se derrumba y es incapaz de sacar la imagen de su mujer con el oficial de su cabeza. Su obsesión llega al punto de poner en peligro su matrimonio llegando casi a la infidelidad a causa de la fantasía de Alice.

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Puede parecer que después de esto Bill desee vengarse de Alice en esas situaciones en las que roza el sexo con otras mujeres pero que nunca llegan a suceder, pero puede que, esas escapadas sexuales de Bill se deban a la necesidad de saber más acerca del deseo femenino y encontrar algún modo saludable para regresar con su mujer.

Aquí es cuando las máscaras tienen una gran relevancia en la historia. Simbolizan los miedos y las inquietudes y representan el deseo del hombre de ocultarse y a la vez de manifestarse trastornado, escondiendo su verdadera identidad. Por eso, en todas las escenas donde Bill se enfrenta a situaciones de sexo, las máscaras tienen una gran presencia. Este elemento representa los secretos ocultos de Bill a su mujer, todo lo que no ha sido capaz de contarle.

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El cartel original han dejado de lado la imagen de las máscaras centrándose más en el rostro, la mirada y los pensamientos de Alice, ya que son los causantes del estado de ánimo y de las acciones de Bill. Podemos ver la imagen de ambos besándose reflejada en un espejo, pero la mirada de ella se encuentra perdida, sin deseo, puede que fantaseando con ese hombre que tanto está presente en su mente, o simplemente pensando en como su “perfecto” matrimonio esconde una realidad distinta; están pasando una crisis en la que ella es la única consciente y en la que el sexo va a ejercer el papel principal. ¿Por qué un espejo? Como es muy habitual en el cine, el espejo hace de símbolo de lo engañoso de las apariencias.

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Por otra parte esta el color de fondo. El morado equilibra la mente y ayuda a transformar las obsesiones y los miedos, exactamente lo que le ocurre a Bill después de que Alice le contara la historia del oficial. Se dice que las personas atraídas por este color deben tener cuidado por no dejarse llevar y vivir en el mundo de fantasía.

Kubrick, que nunca disfrutó de taquillazos, ya que sus películas alcanzaron la fama y el prestigio con el paso del tiempo, obtuvo un increíble número de taquilla en muchos de los países donde se estrenó. Una pena que muriera el día después de proyectar la cinta a los representantes de Warner Brothers.

Y por último, como diría Andrei Tarkovski en su libro “Esculpir en el tiempo“: La obra de arte lo es más cuando más ocultas quedan las intenciones del autor”.

Saul Bass, el genio del diseño cinematográfico.

Hoy voy a dedicarle el post al gran diseñador Saul Bass, haciendo un breve resumen de su trayectoria profesional, ya que fue el más reconocido diseñador gráfico estadounidense, sobre todo por su trabajo en la industria cinematográfica, y porque la semilla del diseño es muy fan de los trabajos de este hombre.

Bass nació el 8 de mayo de 1920 en Bronx (Nueva York). Su creatividad estuvo presente desde que era un niño, ya que se pasaba gran cantidad de horas dibujando. Pasados unos años comenzó a estudiar en el Art Students League of New York y más tarde en el Colegio de Brooklyn. En estos últimos estudios tendría como profesor a Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con el gran László Moholy-Nagy (uno de los principales del movimiento del Bauhaus) en Berlín. Kepes fue el causante de que Saul Bass se introdujera en el estilo Bauhaus de Moholy-Nagy y en el constructivismo ruso.

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En 1950 abrió su propio estudio donde se dedicaba especialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger le pidió que diseñara el póster de la película Carmen Jones (1954). Quedó tan impresionado con el trabajo de Bass que le pidió que también diseñara los títulos de crédito del film.

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Más adelante siguió realizando diseños para películas como The Big Knife de Robert Aldrich, The Seven Year Itch (La tentación vive arriba) de Billy Wilder…  Pero su mejor trabajo y con el que de verdad se dio a conocer como un maestro de los títulos de crédito fue con el proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El hombre del brazo de oro).

A partir de ahí, Bass siguió creciendo en el diseño del cine y empezó a colaborar con personas tan importantes como Hitchcock o Scorsese, con el que seguiría trabajando casi hasta su muerte. Cuando colaboró en el póster de Psicosis de Hitchcock, llegó a participar también en la escena de la ducha, donde se dice que él fue el responsable del storyboard, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. También diseñó títulos de crédito para otros directores como Stanley Kubrick, Billy Crystal, Lewis Milestone… algunos junto a su esposa Elaine.

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Se le identifica por introducir diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística. Simplificaba la película entera en una imagen irónica, que hacía reconocible rápidamente el estilo y la película. Gracias a todo esto Bass ha conseguido crear escuela.

A partir de los años 60 dirigió varios largometrajes como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968), este último ganador de un Óscar al mejor cortometraje documental. Y finalmente realizó una película como director llamada Phase IV (Sucesos en la cuarta fase) (1974), planteada como un documental. La historia explica y demuestra cómo las hormigas serían las dueñas del mundo si estuvieran en igualdad de condiciones intelectuales con el ser humano.

Trailer:

Y por último os dejo una galería con algunos de sus mejores diseños a lo largo de su trayectoria profesional:

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Hitchcock y el plano secuencia de un “crimen perfecto” en La Soga

Cuando a Hitchcock lo llaman genio es por haber creado sobre todo, cosas como esta: La Soga (Rope), de 1948. Este director es capaz de elegir un reparto tan bueno que consiga actuar en tiempo real durante unos 10 minutos, sin ningún corte. Es lo que hizo en esta película, que fue una gran oportunidad para los actores, ya que demuestran su gran profesionalidad mediante estas ininterrumpidas actuaciones. Y es que es increíble el falso plano secuencia de toda la película, y digo falso debido a las limitaciones de la bobina, que en esos años duraba, como he comentado antes, unos 10 minutos, por lo que el director tuvo que realizar varios cortes. Pero supo disimularlo de tal forma que son pocos los cortes que llegamos a apreciar, ya que juega con el acercamiento de la cámara en la vestimenta de los actores, creando un oscuro plano que empatará con el siguiente. Pero mejor empecemos desde el principio:

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Fue la primera película que Hitchcock rodó en Technicolor, por lo que se cuidó al máximo la imagen a la hora de realizar el rodaje. Se trata de una historia basada en hechos reales y llevada al cine como tal. Ese plano secuencia tan espectacular nos muestra una obra teatral en la que la cámara juega continuamente con diferentes planos y puntos de vista diferentes. La cámara recorre el escenario con gran soltura demostrando un gran manejo de la misma.

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El argumento es más o menos el siguiente: Dos estudiantes universitarios, aparentemente homosexuales (en la película no se menciona la orientación sexual, pero hay bastantes detalles que lo confirman) deciden cometer el crimen perfecto asesinando a un compañero de ambos, cuyo cuerpo esconderán en un arcón de madera en el cual se servirá la cena de algunos de los familiares y amigos de la víctima que estarán invitados esa noche por los dos criminales como engaño. Una fiesta que se celebrará a modo de despedida por el ya asesinado compañero. Eso sí, nadie lo sabrá. Pero uno de los invitados, el astuto criminólogo profesor de los protagonistas James Stewart (grandiosa actuación), que siempre a sostenido que el crimen perfecto no existe, tendrá sus sospechas.

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Tenemos que tener en cuenta que nos encontramos con dos personajes totalmente opuestos. Brandon, un joven brillante e intelectual, muy seguro de sí mismo y con cierta superioridad hacia los demás, que se encuentra excitado por el crimen que acaban de cometer. Y Philip, mucho más débil, nervioso, indeciso, siempre a la sombra de Brandon sin tomar nunca sus propias decisiones, y que se encuentra acomplejado por la acción que acaban de realizar. Por lo que, esta mezcla de sentimientos de cada uno, crearán una increíble tensión en el transcurso de la fiesta.

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Lo más interesante de esta historia es que el “superhombre” de Nietzsche esta muy presente en el film, ya que a raíz de esa teoría, a lo que Brandon quiere llegar con el asesinato es a demostrar que ese acto puede llegar a ser un arte, solo si la persona que lo realiza es superior intelectualmente que la víctima. Es decir, las leyes sociales que los hombres han creado van dirigidas a las personas mediocres mientras que una persona de gran intelecto y superioridad fabrica las suyas propias.

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La película no tiene unos títulos de crédito para echar cohetes, pero he encontrado tres versiones en Vimeo muy interesantes. El primero me ha gustado bastante, puede que el que más. Trabajo de una estudiante de diseño gráfico (Analia) pero que por desgracia no he podido encontrar más información sobre ella desquitado su cuenta en Vimeo. La estética es muy Saul Bass y la música es brillante.

El segundo es de Alejandro Avalo, y lo único que he podido encontrar de él es su intesante flickr. Esta versión es mucho más moderna y oscura, y simplemente nos muestra todos los objetos identificativos de la película que junto con la música nos transmite un misterio descomunal. Para mi gusto, excesivo.

Y por último, la versión de Nelson Zagalo, Profesor en la Universidad de Minho (Portugal). En este caso se ha optado por la simple cuerda que tanta presencia tiene en el film, que finalmente acaba formando el título de la película. Los tres me han gustado bastante ya que tienen un estilo completamente diferente, pero todos encajan perfectamente con el argumento del film, aunque quizás el último sea el que menos me ha convencido.

Polanski y su polémica semilla del diablo

Hoy voy a hablar sobre la increíble obra de culto de 1968 Rosemary’s baby de Roman Polanski, pero que en España, fieles a inventarse completamente la traducción de los títulos, la titularon “La semilla del diablo“, que obviamente destroza gran parte del argumento. De todas formas, me sirvió de gran ayuda a la hora de inspirarme en el título del blog. Voy a dedicarle dos categorías por ser una de mis películas favoritas, por lo que compartiré fotografías de rodaje y a su vez algunas curiosidades del mismo. Y por último comentaré el mejor cartel junto con los 3 peores.

Se trata de un film de terror que destaca por la paranoia de su protagonista, envuelta en un ambiente obsesivo y amenazador, donde el terror se transmite mediante el ambiente, los espacios, la luz y el color. Es decir, nos consigue inquietar sin necesidad de utilizar ningún efecto visual, simplemente echando mano del lenguaje cinematográfico.

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Para refrescar la memoria, recordaremos que se basa en un joven matrimonio que se traslada a un edificio situado frente al Central Park de la cuidad de Nueva York, que según un amigo de ambos, pesa una gran maldición. Una vez instalados se hacen muy amigos de sus dos vecinos, que les prestan una excesiva atención. Más adelante, el matrimonio decide tener un hijo, pero cuando Rosemary’s (Mia Farrow) se queda embarazada solo recordará haber hecho el amor con una extraña criatura, que le dejará el cuerpo repleto de marcas.

He conseguido recopilar algunas curiosidades del rodaje, y algunas han conseguido ponerme los pelos de punta.

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– Polanski no quería que el bebe de Rosemary se mostrase en ningún momento, convencido de que así daría mucho más miedo (razón no le faltaba). Pero los productores opinaban que al público había que enseñarle el monstruo, por lo que, a disgusto de Polanski, se incluyó en el montaje final unos ojos rojos de felino fotografiados con filtros rojos.

– La película es una adaptación al cine de la obra literaria del mismo nombre de Ira Levin. Fue la primera película americana de Polanski, y se empeñó en conseguir la mejor adaptación posible del libro, hasta el punto de copiar con grandísimo detalle los colores de los decorados y de la ropa de los personajes.

– Mia Farrow pone voz a la nana que se oye al inicio y al final del film.

– La actriz tuvo de comer realmente hígado crudo para la escena de la película.

– Se rodó en el Edificio Dakota de Nueva York. Un edificio que ha alojado a celebridades de todo el mundo. Uno de los más famosos fue John Lennon, que vivía allí junto a Yoko Ono, y que fue asesinado en la misma puerta de su casa, lo que etiquetó al edificio como “El edificio maldito“.

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– La película fue clasificada X en Inglaterra, donde llegaron a cortar escenas y diálogos, y estuvo prohibida en algunos países sudamericanos por sus alusiones satánicas.

– Precisamente por jugar con ese tipo de argumento, la película consiguió el “honor” de ser criticada y cabrear por igual a satánistas y católicos.

– Tras grabar La semilla del diablo, Polanski y su familia fueron amenazados de muerte por diferentes sectas satánicas que acusaron al director de haber revelado sus rituales secretos en pantalla.

-Un año después del rodaje de la película, Sharon Tate, mujer de Polanksi, que hizo un cameo en la película, fue asesinada juntos con cuatro amigos por la banda de Charles Manson, en una fiesta en su casa de Beverly Hills. La mujer del director estaba embarazada de 8 meses.

– Charles Manson explicó que el asesinato fue a causa de enfado que tenía con Polanski por revelar demasiados secretos satánicos en la película, y que por eso debía pagarlos con sangre.

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Para la película se diseñaron gran cantidad de versiones del cartel, algunos bastante buenos, como el que voy a comentar a continuación, y otros bastante pésimos. El que tengo guardado con gran aprecio es esta versión Belga.

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Vemos como los colores vivos con los que se ilustra el rostro de Rosemary transmiten ese entusiasmo que la protagonista siente al principio de la historia, y que podemos apreciar en el film, mediante la luz, los coloridos vestidos de ella, su pelo, su expresión… todo el conjunto representa la ilusión que siente con el esperado embarazo. Pero le rodea un degradado que acaba convirtiéndose en un oscuro fondo, haciendo referencia a como poco a poco va adentrándose en ese ambiente obsesivo y amenazador, lleno de sospechas y miedos. Este proceso lo vemos en el transcurso de la película, donde la luz y los colores se van oscureciendo, y su corte de pelo y su expresión cambian a un estado más triste y preocupante. Por otro lado, la silueta del carrito en primer plano nos hace intuir como algo extraño va a ocurrir con el bebe, situado en la cima de una gran montaña en medio de la oscuridad. Me parece un cartel muy completo y estético a la vez.

Y después de comentar la que personalmente, me parece mejor versión, os dejo las peores que he visto y que dejo libremente que juzguéis vosotros mismos…

(Enlace a todas las versiones)

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El borroso recuerdo de “In The Mood For Love”

Hoy hablaré de una película que vi hace poco y me dejó impresionada, y aunque no soy muy de películas de amor esta me ha cautivado, y se merece un buen post. Se trata de la obra de arte cinematográfica  In The Mood For Love (2000) del director Wong Kar-Wai y ganadora del premio Cannes a mejor actor (Tony Leung) y del premio Cesar a mejor película extranjera. Es una delicada historia de amor reprimido, del recuerdo de lo que pudo ser pero nunca llegó a serlo. Habitaciones cargadas, pasillos asfixiantes e intensa lluvia se unen para maltratar todavía más ese amor de deseos imposibles. Un amor tan fuerte que la despedida debe ser ensayada como si eso fuera a hacerla menos dolorosa.

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Contiene gran belleza y simpleza, donde los protagonistas nunca dicen lo que piensan ni lo que sienten, pero que se transmite mediante planos llenos de expresividad. Miradas, gestos, colores, sonidos… un conjunto de detalles que nos refleja todo el sentimiento que esconden envueltos en miedo y cobardía.

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Dos casadas y solitarias personas, con sus respectivas parejas viajando continuamente. Se mudan a la vez en el mismo edificio habitado principalmente por personas de Shangai. Poco a poco sus vidas se cruzan y sin quererlo van alimentando ese amor oculto que irán reteniendo y les destrozará por dentro. Envueltos en un ambiente de rumor entre vecinos, Wong consigue que nos sintamos acechadores de los personajes, como un vecino más que espía entre las cortinas con escenas grabadas a través del marco de la puerta, detrás de una ventana o reflejados en un espejo.

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La película en sí es un recuerdo, nos enseña qué es lo que queda grabado en nuestra memoria y como es transformado por nuestros recuerdos. Por eso hay tantos saltos de tiempo y de espacio. Nos perderíamos entre escena y escena si no fuera por los detalles que nos guían por esa borrosa historia. Como por ejemplo los vestidos de llamativos estampados de ella, elemento clave para marcar esos saltos y cambios.

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Así que después de buscar los carteles oficiales de la película, me decepcioné bastante. Sinceramente creo que las 3 versiones más conocidas, es decir, la japonesa, la francesa y la estadounidense, no transmiten la esencia de la historia. Deberían haber sido más impactantes y más acordes con ese amor imposible y reprimido que nos plasma el film. Las imágenes de los dos primeros nos muestran un apasionado contacto físico que nunca llega a estar visualmente presente en el film. Puede que el estadounidense sea el más acertado, con la imagen de ella cabizbaja, y él frente a ella con esa cobardía que le impide hasta tocarla.

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Pero descubrí el cartel perfecto de la diseñadora Rebecca Leigh, que refleja todos los sentimientos a la perfección. Nos muestra el deseo de los protagonistas por estar juntos, con esa expresión de nostalgia y soledad, y como una gran barrera los mantiene separados. Pero lo mejor es la abstracción que se crea en la parte superior, haciendo referencia a esos recuerdos borrosos que quedan de lo que pudo ser y no fue o no se supo cómo hacer que fuera.

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Y para acabar, os dejo la bso, porque si con lo que habéis leído aún dudáis en verla, cuando escuchéis esto es posible que cambiéis de opinión 😉

La historia de los logos de Hollywood vol.2

Hace unas semanas Dreamworks, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox y Paramount Pictures fueron los protagonistas del blog, pero Columbia Pictures y Warner Bros han esperado unos días más. Los dejé para el final porque me parecen muy potentes, y la historia de cada uno no tiene desperdicio. A partir de ahora nos fijaremos más en los comienzos de las películas, buscando esas geniales variaciones que nos regalan estás grandes productoras al comienzo de cada película.

WARNER BROS

Warner Bros se creó gracias a los cuatro hermanos judíos llamados Harry, Albert, Sam y Jack Warner, que emigraron de Polonia. Aunque no eran sus nombres reales. Harry era “Hirsz”, Albert “Aaron”, Sam “Szmul”, y Jack “Itzhak”. El apellido tampoco era el original, pero no está muy claro si era “Wolsal”, “Wonskolaser” o “Eichelbaum”.

Al principio, no fue fácil para Warner Bros encontrar estrellas que quisieran trabajar para ellos, pero en 1925 gracias a la insistencia de Sam decidieron lanzar la primera película hablada, y este fue el inicio de la fama de Warner Bros en Hollywood. Harry, al escuchar la propuesta de Sam hizo la famosa frase “¿Quién demonios quiere escuchar a los actores hablar?”

A raíz de ahí, el logotipo de Warner Bros ha ido variando constantemente, hasta 11 veces. Así que aquí os dejo los diseños desde 1923 hasta ahora:

22 de septiembre de 1923 / 30 de agosto de 1929

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7 de noviembre de 1929 / 29 de agosto de 1936

la_semilla_del_diseno_warner bros_version_227 de julio de 1935 / 23 de octubre de 1937

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25 de diciembre de 1937 / 7 de abril de 1948

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25 diciembre de 1937 / 7 abril de 1948

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28 de septiembre de1967 / 29 de julio de 1970

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3 de agosto 1970 / 10 de marzo de 1972

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24 de mayo de 1972 / 29 de noviembre de 1972

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21 de diciembre de 1972 / 18 de mayo de 1984

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8 de junio de 1984 / 19 de enero de 2001

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16 de enero de 1998 / –

la_semilla_del_diseno_warner bros_version_11Estas son algunas variaciones que han realizado para el inicio de algunas películas:

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COLUMBIA PICTURES

Los hermanos Harry y Jack Cohn y Joe Brandt de Cohn-Brandt-Cohn Film fundaron Columbia Pictures en 1919 .

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Al comienzo, sus producciones del estudio eran de bajo presupuesto, pero en el año 1924 los dos hermanos compraron Brandt y renombraron el estudio para mejorar su imagen, con el nombre de Columbia Pictures Corporation. En ese mismo año se creó el logotipo con la imagen de Columbia, es decir, la personificación femenina de América.

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La identidad de la modelo nunca fue revelada, aunque hay cantidad de mujeres que aseguran serlo. Bette Davis contó en su biografía de 1962 que, Claudia Dell fue la modelo, mientras que en 1987, en la revista People se dijo que la mujer de la antorcha era la actriz Amelia Batchler.

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Años más tarde, en el 2001, El Chicago Sun-Times nombró a la modelo Jane Bartholomew, que trabajaba como extra en Columbia, como la verdadera modelo. Se podrían afirmar las tres menciones ya que, viendo como ha cambiado el logotipo durante todos estos años, pudieron haber sido las 3, o incluso más, las “mujeres Columbia”.

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El logotipo actual fue diseñado por Michael J. Deas en 1993, a quien Sony Pictures Entertainment pidió devolver a la dama su aspecto original. La gente pensaba que la actriz Annette Bening fue la modelo, pero fue en realidad una ama de casa de Louisiana (EEUU) llamada Jenny Joseph la que ofreció su imagen a Columbia Pictures por 25 dólares. Y en vez de usar su cara, Deas dibujó una composición de muchas características creadas por ordenador.

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Y para terminar, como en Warner Bros, Columbia Pictures tambien nos ha sorprendido con fantásticas variaciones como estas. Disfrutadlas:

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12 hombres sin piedad y un solo escenario.

Hace un tiempo me pidieron realizar unas ilustraciones de esta película de las que hablaré más abajo, ya que creo que primero es necesario hablar sobre ella porque merece la pena verla.

Película del 1957, pero que su argumento, desgraciadamente, no ha pasado de moda. Se trata de una crítica al sistema judicial estadounidense y nos muestra un gran desprecio a la pena de muerte. 12 hombres sin piedad (12 angry men). Doce hombres escogidos para formar parte de un jurado popular por el asesinato de un hombre a manos de su hijo de 18 años. En sus manos está que el muchacho sea llevado a la silla eléctrica o no.

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Como protagonista principal, Henry Fonda, que en un principio se enfrenta en solitario a los once hombres que están de acuerdo con el veredicto. Fonda llenará de dudas razonables la habitación, con la intención de no condenar a un posible inocente, sin antes reflexionarlo. Con su mejor arma, la palabra, hará que los 11 hombres revisen todas y cada una de las pruebas y de los testimonios que se han dado en el juicio, con la idea de convencerles de que existe una duda razonable, y que es suficiente motivo para cambiar sus precipitados veredictos, de manera que actúen con honestidad.

Y aquí es donde nos damos cuenta de quienes son a los que verdaderamente les preocupa el caso y se toman con seriedad esa responsabilidad que se les ha asignado, y a los que no.

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Aunque transcurra en un único escenario, desquitando el prólogo y el epílogo, y pueda parecer pesada, se trata de un film en el que llegas a adentrarte y acabar convertiéndote en el decimotercer miembro del jurado, reflexionando sobre todas las teorías que cada uno de ellos defiende.

Se trata de una crítica al ser humano en general, por eso el detalle de no saber el nombre de ningún miembro, dirigiéndose unos a otros por el numero que se les ha asignado. Los personajes retratan una pequeña muestra de la sociedad, cada uno con ideales diferentes, en un bando diferente que poco a poco, uno detrás de otro, cambiará de opinión dándose cuenta de que no es tan fácil llevar a las silla eléctrica a una persona sin estar completamente seguro de su culpabilidad. La duda razonable irá afectando en las conciencias de cada uno.

Bueno, pues hace unos meses me pidieron realizar unas ilustraciones sobre la habitación donde transcurría la película. Fueron dos ilustraciones del escenario desde dos puntos de vista diferentes. El trabajo fue duro, ya que la única forma era realizar capturas de pantalla cada vez que se veía una pared, puerta o silla nueva.

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Por último, se escanearon y se les dio color en tonos grises jugando con los pinceles de Photoshop.

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Saul Bass y el diseño para “El Resplandor”

El viernes vi por segunda vez El Resplandor, y nunca imaginé que un hombre disfrazado de oso pudiera darme tanto miedo. Sin presencia de escenas oscuras y tenebrosas en todo el film, esta es la película más terrorífica con la mejor dirección de arte que he visto en mi vida. Mientras miraba fascinada la belleza de las imágenes compuestas por planos geométricos, y escuchaba los fantásticos efectos sonoros, me estaba muriendo de miedo. Nunca pensé que escenas con tanta luz y color pudieran causar tanto terror.

A parte de esto, se dice que contiene varios mensajes ocultos que homenajean al pueblo indio norteamericano, como también se comenta que se trata de una crítica a la sociedad norteamericana actual. Hay muchas teorías sobre los pequeños detalles que nos muestra la película y que comentaré en otro post.

Hoy quiero hablar sobre el cartel de promoción de El Resplandor que Stanley Kubrick le encargó a Saul Bass. Teniendo en cuenta lo perfeccionista que podía llegar a ser el director, nos podemos hacer una idea de la difícil tarea que tuvo que realizar el diseñador. Bass llegó a realizar 300 versiones del cartel hasta dar con el definitivo.

Aquí tenéis la carta que le escribió Saul Bass a Kubrick pidiendo opinión respecto a los nuevos diseños y el póster definitivo. Atención a su firma con una perca (Bass en inglés) con su cara.

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Querido Stanley:

 Aquí están los cinco diseños que han surgido del trabajo que he llevado a cabo desde que regresé. Estoy muy contento de todos ellos y podría darte muchas razones por las que creo que serían fuertes y efectivos identificadores de la película. Pero el que más me gusta es el número uno. Es provocador, emocional y da miedo. Tiene tamaño y promete una película que nunca he visto. Y se reduce de forma bonita. La reacción por aquí, entre mis socios, es parecida. Al igual que la de Sid Ganis, que vino hace unos días para ver en qué estaba trabajando. Todo el mundo tuvo una respuesta intensa hacia todos los carteles por diferentes motivos, pero de forma interesante, todos prestaron atención (sin preguntar) en este, por las mismas razones.

 ¿Qué opinas?

 Saludos cordiales.

 Saul Bass.

 PD: El boceto número 5 está pensado en tándem con otra copia que iría sobre un cielo negro, con las siguientes líneas:

“Se requiere ayuda: Alguien que se ocupe de un hotel-resort fuera de la temporada. Bloqueado por la nieve durante cuatro meses. Vecino más próximo a 70 millas, etc.”

Y aquí están algunos de los bocetos de Bass con las notas escritas a mano de Kubrick, donde podemos ver reflejado su perfeccionismo con estos apuntes secos y directos.

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– La mano y la bici son demasiado irrelevantes.

– El título se ve mal en pequeño. Parece que falta tinta en la parte iluminada. 

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– Parece una película de ciencia ficción.

– Difícil de leer, incluso a este tamaño.

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– El laberinto y las figuras enfatizan demasiado el laberinto. No creo que debamos usar el laberinto en los anuncios.

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– Laberinto demasiado abstracto y demasiado énfasis en el laberinto.

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– No me gusta el trabajo artístico. El hotel parece peculiar. El trabajo artístico también parece demasiado disperso, demasiado desparramado. No es suficientemente compacto.

– No me gustan los puntos para el logo. No se verá bien en pequeño. Incluso en este tamaño es difícil de leer.

Y aquí el cartel final:

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Mi análisis personal es que, al menos aquí, se deja claro cual es el género del film, con la expresión de pánico y terror del rostro que vemos en el interior de las letras.

Puede ser que esa luz amarilla que ilumina la cara pertenezca a los destellos (los resplandores) que el niño sufre durante la película, que le llevan a visualizar escenas terroríficas.

Por otro lado, la composición de las letras y sus formas geométricas forman una especie de laberinto donde el rostro se encuentra atrapado, sin salida, en un oscuro fondo.

Teniendo en cuenta el característico estilo de Saul Bass, este cartel me parece de lo más extraño. Sinceramente, no sé si realmente me gusta o no. Pero sí sé que transmite todos los sentimientos de terror y angustia que el film intenta representar.

Imágenes sacadas de: The Fox Is Black

La historia de los logos de Hollywood

El post de hoy va dedicado a esos logotipos que todos hemos visto alguna vez en las pantallas del cine, con nuestras palomitas en la mano y con esa emoción que sentimos cuando está apunto de empezar la película (Como yo el otro día viendo comenzar el Hobbit, pensé que me moría de la emoción).

Nunca te paras a pensar en los años que tendrán o en quienes serán las personajes que aparecen en ellos, como el niño de Dreamworks o la mujer de Columbia. Pues yo me paré a pensar. Y me entró tanta tanta curiosidad que me puse a buscar. Me pareció tan interesante que se merece un post hecho y derecho.

Hoy os hablaré de Dreamworks, Metro-Goldwyn-Mayer20th Century Fox Paramount Pictures, y más adelante de Universal Pictures, Columbia y Warner Bross.

DREAMWORKS

Comenzamos con Dreamworks. Este estudio fue creado en 1994 por el director Steven Spielberg, el presidente de Disney Jeffrey Katzenberg y el productor musical David Geffen, y si os fijáis en las letras SKG en la parte inferior de la palabra DREAMWORK veréis que se trata de las iniciales del apellidos de cada uno. Lo que Spielberg tenía en mente era que el logotipo recordara a la edad de oro de Hollywood, por lo que se realizó un logo con la imagen de un hombre pescando sobre la luna creado por ordenador.

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Cuando el Supervisor de Efectos Especiales de Industrial Light and Magic, Dennis Muren, que había trabajado en muchas películas de Spielberg,  vio el trabajo le aconsejó que un logotipo pintado a mano sería mucho mejor. Por lo que Murren le pidió a su amigo ilustrador Robert Hunt que lo pintara. Hunt hizo dos versiones, la que Muren le pidió y otra alternativa, un niño pescando en la luna. Spielberg lógicamente eligió su versión modificada. Lo curioso de este logotipo es que el niño que aparece en el logotipo es el hijo del ilustrador Hunt, y que podéis ver en la imagen inferior.

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Finalmente, el logotipo que vemos en las películas se hizo con la colaboración de ILM (Industrial Light and Magic), el productor de animación y efectos visuales Clint Goldman, y el diseñador Dave Carson.

METRO-GOLDWYN-MAYER

En 1924 el publicista Howard Dietz diseñó el logotipo de “Leo el León” para la productora Goldwyn Picture Corporation, de Samuel Goldwyn. Se basó en las mascotas del equipo de atletismo de la Universidad de Columbia (aquí la imagen). Más tarde Goldwyn Pictures se fusionó con Metro Pictures Corporation y Louis B.Mayer Pictures, pero Metro Goldwyn Mayer mantuvo su logotipo.

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Desde entonces ha habido tres leones en el papel de “Leo de León“. El primero fue el león Slats, abriendo las puertas del cine mudo de la MGM entre 1924 y 1928. Le siguió el león Jackie, cuyo rugido fue oído por el público aunque las películas de aquel entonces siguieran siendo mudas. El rugido se reproducía en el fonógrafo a la vez que el logo aparecía en la pantalla. También fue el primer león que salió en Technicolor en 1932. El tercer león y el más famoso fue Tanner, más tarde hubo una breve aparición de un león sin nombre y finalmente apareció el último llamado “Leo de León” utilizado desde 1957 hasta hoy.

20th CENTURY FOX

En 1935 Twentieth Century Pictures y Fox Film Company se fusionaron para crear Twentieth Century-Fox Film Corporation. El logo original se creo por el paisajista Emil Kosa Jr en el año 1933. Después de la fusión entre las dos compañías Kosa simplemente reemplazó el “Pictures, Inc” por “Fox“.

Se han realizado una cantidad de variaciones del logo para diferentes películas desde los años 40 hasta ahora. He encontrado algunas bastante interesantes, así que las dejo en esta galería.

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PARAMOUNT

En 1912 Adolph Zukor y los magnates del teatro Daniel y Charles Frohman, crearon Famous Players Film Company, pero no se conoció como Paramount Pictures hasta 1916, cuando se fusionaron con Jesse L. Lasky. El logotipo que hoy en día protagoniza la gran Majestic Mountain fue dibujado por primera vez por W.W. Hodkinson (presidente de Paramount en aquel entonces) durante una reunión con Zukor, inspirándose en la montaña Ben Lomond de su Utah natal, aunque se cree que la montaña que aparece en logos posteriores es el Artesonraju de Perú. Creado, como se ha dicho al principio, en 1912, el logotipo de Paramount se considera el más antiguo de Hollywood que ha llegado hasta nuestros días.

Originalmente, la montaña se encontraba rodeada por 24 estrellas que simbolizaban a cada una de las 24 estrellas contratadas de cine por Paramount. Ahora solo tiene 22, aunque nadie sabe por qué redujeron el número.

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