La última gran obra de Kubrick “Eyes Wide Shut”

Hoy hablaré sobre Eyes Wide Shut (1990) por ser la última película de Stanley Kubrick y tratarse de una impresionante historia más psicológica de lo que puede aparentar a primera vista, una característica fundamental del director. Se trata de una adaptación del libro de Arthur SchnitzlerRelato Soñado“, en el que se habla de las relaciones maritales a través del miedo de los celos, las fantasías sexuales y la infidelidad.

Bill (Tom Cruise) es un médico neoyorquino al que la vida parece ir muy bien, tiene una buena y preciosa mujer, una encantadora hija y un trabajo que le apasiona. Stanley nos muestra a una pareja totalmente confiada y segura de si misma, tanto que llega a ser extremista cuando los dos acuden a una fiesta y cada uno se permite el lujo de coquetear con personas del sexo opuesto, siempre manteniendo los límites que separan lo permitido a lo prohibido y deseado.

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Al día siguiente de la fiesta, después de fumar marihuana, Alice (Nicole Kidman) le cuenta a su marido una historia en la cual aparece otro hombre de por medio. Durante unas vacaciones, sintió un deseo incontrolable por un oficial de la marina que se alojaba en el mismo hotel y que, si él se lo hubiera pedido, habría abandonado a su marido y a su hija.

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A partir de este momento, el momento en el que Alice se sincera y le hace ver que la relación de ambos se ha mantenido con una extrema confianza, pero que realmente jamás han abierto sus corazones hasta el punto de contarse el uno a otro un gran secreto como ese, Bill cambia totalmente de estado anímico, se derrumba y es incapaz de sacar la imagen de su mujer con el oficial de su cabeza. Su obsesión llega al punto de poner en peligro su matrimonio llegando casi a la infidelidad a causa de la fantasía de Alice.

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Puede parecer que después de esto Bill desee vengarse de Alice en esas situaciones en las que roza el sexo con otras mujeres pero que nunca llegan a suceder, pero puede que, esas escapadas sexuales de Bill se deban a la necesidad de saber más acerca del deseo femenino y encontrar algún modo saludable para regresar con su mujer.

Aquí es cuando las máscaras tienen una gran relevancia en la historia. Simbolizan los miedos y las inquietudes y representan el deseo del hombre de ocultarse y a la vez de manifestarse trastornado, escondiendo su verdadera identidad. Por eso, en todas las escenas donde Bill se enfrenta a situaciones de sexo, las máscaras tienen una gran presencia. Este elemento representa los secretos ocultos de Bill a su mujer, todo lo que no ha sido capaz de contarle.

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El cartel original han dejado de lado la imagen de las máscaras centrándose más en el rostro, la mirada y los pensamientos de Alice, ya que son los causantes del estado de ánimo y de las acciones de Bill. Podemos ver la imagen de ambos besándose reflejada en un espejo, pero la mirada de ella se encuentra perdida, sin deseo, puede que fantaseando con ese hombre que tanto está presente en su mente, o simplemente pensando en como su “perfecto” matrimonio esconde una realidad distinta; están pasando una crisis en la que ella es la única consciente y en la que el sexo va a ejercer el papel principal. ¿Por qué un espejo? Como es muy habitual en el cine, el espejo hace de símbolo de lo engañoso de las apariencias.

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Por otra parte esta el color de fondo. El morado equilibra la mente y ayuda a transformar las obsesiones y los miedos, exactamente lo que le ocurre a Bill después de que Alice le contara la historia del oficial. Se dice que las personas atraídas por este color deben tener cuidado por no dejarse llevar y vivir en el mundo de fantasía.

Kubrick, que nunca disfrutó de taquillazos, ya que sus películas alcanzaron la fama y el prestigio con el paso del tiempo, obtuvo un increíble número de taquilla en muchos de los países donde se estrenó. Una pena que muriera el día después de proyectar la cinta a los representantes de Warner Brothers.

Y por último, como diría Andrei Tarkovski en su libro “Esculpir en el tiempo“: La obra de arte lo es más cuando más ocultas quedan las intenciones del autor”.

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Saul Bass, el genio del diseño cinematográfico.

Hoy voy a dedicarle el post al gran diseñador Saul Bass, haciendo un breve resumen de su trayectoria profesional, ya que fue el más reconocido diseñador gráfico estadounidense, sobre todo por su trabajo en la industria cinematográfica, y porque la semilla del diseño es muy fan de los trabajos de este hombre.

Bass nació el 8 de mayo de 1920 en Bronx (Nueva York). Su creatividad estuvo presente desde que era un niño, ya que se pasaba gran cantidad de horas dibujando. Pasados unos años comenzó a estudiar en el Art Students League of New York y más tarde en el Colegio de Brooklyn. En estos últimos estudios tendría como profesor a Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con el gran László Moholy-Nagy (uno de los principales del movimiento del Bauhaus) en Berlín. Kepes fue el causante de que Saul Bass se introdujera en el estilo Bauhaus de Moholy-Nagy y en el constructivismo ruso.

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En 1950 abrió su propio estudio donde se dedicaba especialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger le pidió que diseñara el póster de la película Carmen Jones (1954). Quedó tan impresionado con el trabajo de Bass que le pidió que también diseñara los títulos de crédito del film.

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Más adelante siguió realizando diseños para películas como The Big Knife de Robert Aldrich, The Seven Year Itch (La tentación vive arriba) de Billy Wilder…  Pero su mejor trabajo y con el que de verdad se dio a conocer como un maestro de los títulos de crédito fue con el proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El hombre del brazo de oro).

A partir de ahí, Bass siguió creciendo en el diseño del cine y empezó a colaborar con personas tan importantes como Hitchcock o Scorsese, con el que seguiría trabajando casi hasta su muerte. Cuando colaboró en el póster de Psicosis de Hitchcock, llegó a participar también en la escena de la ducha, donde se dice que él fue el responsable del storyboard, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. También diseñó títulos de crédito para otros directores como Stanley Kubrick, Billy Crystal, Lewis Milestone… algunos junto a su esposa Elaine.

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Se le identifica por introducir diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística. Simplificaba la película entera en una imagen irónica, que hacía reconocible rápidamente el estilo y la película. Gracias a todo esto Bass ha conseguido crear escuela.

A partir de los años 60 dirigió varios largometrajes como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968), este último ganador de un Óscar al mejor cortometraje documental. Y finalmente realizó una película como director llamada Phase IV (Sucesos en la cuarta fase) (1974), planteada como un documental. La historia explica y demuestra cómo las hormigas serían las dueñas del mundo si estuvieran en igualdad de condiciones intelectuales con el ser humano.

Trailer:

Y por último os dejo una galería con algunos de sus mejores diseños a lo largo de su trayectoria profesional:

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Polanski y su polémica semilla del diablo

Hoy voy a hablar sobre la increíble obra de culto de 1968 Rosemary’s baby de Roman Polanski, pero que en España, fieles a inventarse completamente la traducción de los títulos, la titularon “La semilla del diablo“, que obviamente destroza gran parte del argumento. De todas formas, me sirvió de gran ayuda a la hora de inspirarme en el título del blog. Voy a dedicarle dos categorías por ser una de mis películas favoritas, por lo que compartiré fotografías de rodaje y a su vez algunas curiosidades del mismo. Y por último comentaré el mejor cartel junto con los 3 peores.

Se trata de un film de terror que destaca por la paranoia de su protagonista, envuelta en un ambiente obsesivo y amenazador, donde el terror se transmite mediante el ambiente, los espacios, la luz y el color. Es decir, nos consigue inquietar sin necesidad de utilizar ningún efecto visual, simplemente echando mano del lenguaje cinematográfico.

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Para refrescar la memoria, recordaremos que se basa en un joven matrimonio que se traslada a un edificio situado frente al Central Park de la cuidad de Nueva York, que según un amigo de ambos, pesa una gran maldición. Una vez instalados se hacen muy amigos de sus dos vecinos, que les prestan una excesiva atención. Más adelante, el matrimonio decide tener un hijo, pero cuando Rosemary’s (Mia Farrow) se queda embarazada solo recordará haber hecho el amor con una extraña criatura, que le dejará el cuerpo repleto de marcas.

He conseguido recopilar algunas curiosidades del rodaje, y algunas han conseguido ponerme los pelos de punta.

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– Polanski no quería que el bebe de Rosemary se mostrase en ningún momento, convencido de que así daría mucho más miedo (razón no le faltaba). Pero los productores opinaban que al público había que enseñarle el monstruo, por lo que, a disgusto de Polanski, se incluyó en el montaje final unos ojos rojos de felino fotografiados con filtros rojos.

– La película es una adaptación al cine de la obra literaria del mismo nombre de Ira Levin. Fue la primera película americana de Polanski, y se empeñó en conseguir la mejor adaptación posible del libro, hasta el punto de copiar con grandísimo detalle los colores de los decorados y de la ropa de los personajes.

– Mia Farrow pone voz a la nana que se oye al inicio y al final del film.

– La actriz tuvo de comer realmente hígado crudo para la escena de la película.

– Se rodó en el Edificio Dakota de Nueva York. Un edificio que ha alojado a celebridades de todo el mundo. Uno de los más famosos fue John Lennon, que vivía allí junto a Yoko Ono, y que fue asesinado en la misma puerta de su casa, lo que etiquetó al edificio como “El edificio maldito“.

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– La película fue clasificada X en Inglaterra, donde llegaron a cortar escenas y diálogos, y estuvo prohibida en algunos países sudamericanos por sus alusiones satánicas.

– Precisamente por jugar con ese tipo de argumento, la película consiguió el “honor” de ser criticada y cabrear por igual a satánistas y católicos.

– Tras grabar La semilla del diablo, Polanski y su familia fueron amenazados de muerte por diferentes sectas satánicas que acusaron al director de haber revelado sus rituales secretos en pantalla.

-Un año después del rodaje de la película, Sharon Tate, mujer de Polanksi, que hizo un cameo en la película, fue asesinada juntos con cuatro amigos por la banda de Charles Manson, en una fiesta en su casa de Beverly Hills. La mujer del director estaba embarazada de 8 meses.

– Charles Manson explicó que el asesinato fue a causa de enfado que tenía con Polanski por revelar demasiados secretos satánicos en la película, y que por eso debía pagarlos con sangre.

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Para la película se diseñaron gran cantidad de versiones del cartel, algunos bastante buenos, como el que voy a comentar a continuación, y otros bastante pésimos. El que tengo guardado con gran aprecio es esta versión Belga.

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Vemos como los colores vivos con los que se ilustra el rostro de Rosemary transmiten ese entusiasmo que la protagonista siente al principio de la historia, y que podemos apreciar en el film, mediante la luz, los coloridos vestidos de ella, su pelo, su expresión… todo el conjunto representa la ilusión que siente con el esperado embarazo. Pero le rodea un degradado que acaba convirtiéndose en un oscuro fondo, haciendo referencia a como poco a poco va adentrándose en ese ambiente obsesivo y amenazador, lleno de sospechas y miedos. Este proceso lo vemos en el transcurso de la película, donde la luz y los colores se van oscureciendo, y su corte de pelo y su expresión cambian a un estado más triste y preocupante. Por otro lado, la silueta del carrito en primer plano nos hace intuir como algo extraño va a ocurrir con el bebe, situado en la cima de una gran montaña en medio de la oscuridad. Me parece un cartel muy completo y estético a la vez.

Y después de comentar la que personalmente, me parece mejor versión, os dejo las peores que he visto y que dejo libremente que juzguéis vosotros mismos…

(Enlace a todas las versiones)

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El borroso recuerdo de “In The Mood For Love”

Hoy hablaré de una película que vi hace poco y me dejó impresionada, y aunque no soy muy de películas de amor esta me ha cautivado, y se merece un buen post. Se trata de la obra de arte cinematográfica  In The Mood For Love (2000) del director Wong Kar-Wai y ganadora del premio Cannes a mejor actor (Tony Leung) y del premio Cesar a mejor película extranjera. Es una delicada historia de amor reprimido, del recuerdo de lo que pudo ser pero nunca llegó a serlo. Habitaciones cargadas, pasillos asfixiantes e intensa lluvia se unen para maltratar todavía más ese amor de deseos imposibles. Un amor tan fuerte que la despedida debe ser ensayada como si eso fuera a hacerla menos dolorosa.

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Contiene gran belleza y simpleza, donde los protagonistas nunca dicen lo que piensan ni lo que sienten, pero que se transmite mediante planos llenos de expresividad. Miradas, gestos, colores, sonidos… un conjunto de detalles que nos refleja todo el sentimiento que esconden envueltos en miedo y cobardía.

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Dos casadas y solitarias personas, con sus respectivas parejas viajando continuamente. Se mudan a la vez en el mismo edificio habitado principalmente por personas de Shangai. Poco a poco sus vidas se cruzan y sin quererlo van alimentando ese amor oculto que irán reteniendo y les destrozará por dentro. Envueltos en un ambiente de rumor entre vecinos, Wong consigue que nos sintamos acechadores de los personajes, como un vecino más que espía entre las cortinas con escenas grabadas a través del marco de la puerta, detrás de una ventana o reflejados en un espejo.

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La película en sí es un recuerdo, nos enseña qué es lo que queda grabado en nuestra memoria y como es transformado por nuestros recuerdos. Por eso hay tantos saltos de tiempo y de espacio. Nos perderíamos entre escena y escena si no fuera por los detalles que nos guían por esa borrosa historia. Como por ejemplo los vestidos de llamativos estampados de ella, elemento clave para marcar esos saltos y cambios.

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Así que después de buscar los carteles oficiales de la película, me decepcioné bastante. Sinceramente creo que las 3 versiones más conocidas, es decir, la japonesa, la francesa y la estadounidense, no transmiten la esencia de la historia. Deberían haber sido más impactantes y más acordes con ese amor imposible y reprimido que nos plasma el film. Las imágenes de los dos primeros nos muestran un apasionado contacto físico que nunca llega a estar visualmente presente en el film. Puede que el estadounidense sea el más acertado, con la imagen de ella cabizbaja, y él frente a ella con esa cobardía que le impide hasta tocarla.

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Pero descubrí el cartel perfecto de la diseñadora Rebecca Leigh, que refleja todos los sentimientos a la perfección. Nos muestra el deseo de los protagonistas por estar juntos, con esa expresión de nostalgia y soledad, y como una gran barrera los mantiene separados. Pero lo mejor es la abstracción que se crea en la parte superior, haciendo referencia a esos recuerdos borrosos que quedan de lo que pudo ser y no fue o no se supo cómo hacer que fuera.

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Y para acabar, os dejo la bso, porque si con lo que habéis leído aún dudáis en verla, cuando escuchéis esto es posible que cambiéis de opinión 😉

Saul Bass y el diseño para “El Resplandor”

El viernes vi por segunda vez El Resplandor, y nunca imaginé que un hombre disfrazado de oso pudiera darme tanto miedo. Sin presencia de escenas oscuras y tenebrosas en todo el film, esta es la película más terrorífica con la mejor dirección de arte que he visto en mi vida. Mientras miraba fascinada la belleza de las imágenes compuestas por planos geométricos, y escuchaba los fantásticos efectos sonoros, me estaba muriendo de miedo. Nunca pensé que escenas con tanta luz y color pudieran causar tanto terror.

A parte de esto, se dice que contiene varios mensajes ocultos que homenajean al pueblo indio norteamericano, como también se comenta que se trata de una crítica a la sociedad norteamericana actual. Hay muchas teorías sobre los pequeños detalles que nos muestra la película y que comentaré en otro post.

Hoy quiero hablar sobre el cartel de promoción de El Resplandor que Stanley Kubrick le encargó a Saul Bass. Teniendo en cuenta lo perfeccionista que podía llegar a ser el director, nos podemos hacer una idea de la difícil tarea que tuvo que realizar el diseñador. Bass llegó a realizar 300 versiones del cartel hasta dar con el definitivo.

Aquí tenéis la carta que le escribió Saul Bass a Kubrick pidiendo opinión respecto a los nuevos diseños y el póster definitivo. Atención a su firma con una perca (Bass en inglés) con su cara.

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Querido Stanley:

 Aquí están los cinco diseños que han surgido del trabajo que he llevado a cabo desde que regresé. Estoy muy contento de todos ellos y podría darte muchas razones por las que creo que serían fuertes y efectivos identificadores de la película. Pero el que más me gusta es el número uno. Es provocador, emocional y da miedo. Tiene tamaño y promete una película que nunca he visto. Y se reduce de forma bonita. La reacción por aquí, entre mis socios, es parecida. Al igual que la de Sid Ganis, que vino hace unos días para ver en qué estaba trabajando. Todo el mundo tuvo una respuesta intensa hacia todos los carteles por diferentes motivos, pero de forma interesante, todos prestaron atención (sin preguntar) en este, por las mismas razones.

 ¿Qué opinas?

 Saludos cordiales.

 Saul Bass.

 PD: El boceto número 5 está pensado en tándem con otra copia que iría sobre un cielo negro, con las siguientes líneas:

“Se requiere ayuda: Alguien que se ocupe de un hotel-resort fuera de la temporada. Bloqueado por la nieve durante cuatro meses. Vecino más próximo a 70 millas, etc.”

Y aquí están algunos de los bocetos de Bass con las notas escritas a mano de Kubrick, donde podemos ver reflejado su perfeccionismo con estos apuntes secos y directos.

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– La mano y la bici son demasiado irrelevantes.

– El título se ve mal en pequeño. Parece que falta tinta en la parte iluminada. 

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– Parece una película de ciencia ficción.

– Difícil de leer, incluso a este tamaño.

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– El laberinto y las figuras enfatizan demasiado el laberinto. No creo que debamos usar el laberinto en los anuncios.

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– Laberinto demasiado abstracto y demasiado énfasis en el laberinto.

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– No me gusta el trabajo artístico. El hotel parece peculiar. El trabajo artístico también parece demasiado disperso, demasiado desparramado. No es suficientemente compacto.

– No me gustan los puntos para el logo. No se verá bien en pequeño. Incluso en este tamaño es difícil de leer.

Y aquí el cartel final:

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Mi análisis personal es que, al menos aquí, se deja claro cual es el género del film, con la expresión de pánico y terror del rostro que vemos en el interior de las letras.

Puede ser que esa luz amarilla que ilumina la cara pertenezca a los destellos (los resplandores) que el niño sufre durante la película, que le llevan a visualizar escenas terroríficas.

Por otro lado, la composición de las letras y sus formas geométricas forman una especie de laberinto donde el rostro se encuentra atrapado, sin salida, en un oscuro fondo.

Teniendo en cuenta el característico estilo de Saul Bass, este cartel me parece de lo más extraño. Sinceramente, no sé si realmente me gusta o no. Pero sí sé que transmite todos los sentimientos de terror y angustia que el film intenta representar.

Imágenes sacadas de: The Fox Is Black

Versiones de “Vértigo” en diferentes países.

Después del “modo off” de las vacaciones de navidad, dedicándome básicamente a comer como si no hubiera mañana, arranco con el blog publicando mi primer post. Ayer volví a ver “Vértigo” de Hitchcock, y al acabar me dije… “voy a buscar las diferentes versiones de cartelería que se crearon en cada país” y lo hice. Aunque la versión más extendida fue el diseño que realizó Saul Bass, (que por cierto, también creó los títulos de crédito del film) descubrí otros la mar de interesantes. Vértigo es una espiral de amor, muerte, obsesión, necrofilia y acrofobia, y se plasmará en cada uno de los diseños.

Como acabo de comentar, esta es la versión más extendida creada por Bass. Es uno de lo carteles que aparecen en casi todas las clasificaciones oficiales que se han hecho incluyendo a los 10, 25 o 50 mejores carteles de la historia del cine. Es un cartel simple pero refleja la idea de la película, la espiral en la que se encuentra el protagonista en un abismo insalubre.

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Ahora comenzamos con los no tan conocidos. He encontrado la versión japonesa, que nada tiene que ver con el diseño de Saul Bass. Se trata de un caso mas explícito, ya que se basa en escenas y escenarios de la película dando a entender principalmente que hay un romance, dejando de lado la angustia y el misterio que el protagonista sufre desde la mitad de la película hasta el final.

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El diseño alemán contiene muchos más elementos. En primer lugar el ojo con la espirar insertada en la pupila, elemento principal de los títulos de crédito. A la derecha los retratos de Madeleine y Judy, las dos caras de una misma moneda. El de Judy en segundo plano, con un tono más grisáceo y frío. A la izquierda el momento de la caída desde el campanario y la expresión de angustia y sufrimiento de James Stewart ante la aterradora escena. Todo esto, junto con el color rojo que nos transmite violencia, sangre, pero a la vez amor y pasión, hace que para mí sea uno de los carteles más completos.

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Y por último la versión polaca. Es el diseño más diferente y peculiar de todos los que he visto. Se trata de una calavera que hace referencia principalmente a la muerte, cuya dentadura muerde el título de la película en polaco, y a su vez, en la parte inferior, la silueta de dos piernas, como si devorara a un hombre. Aunque no estoy muy segura, supongo que esos círculos en forma de diana harán referencia a la espiral, símbolo predominante del film.

¿Por qué la imagen tan clara de la muerte? Porque es el tema principal del film, predominando entre el amor, las fobias y la obsesión…  Ya que la película se basa en una mujer muerta que parece tomar vida en el cuerpo de otra mujer con tendencias suicidas, que se convierte en la amada de Scottie y más tarde en su amada muerta.

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Estos han sido, para mí, los más interesantes, pero aquí dejo una galería con otras versiones que merece la pena echa un ojo. Espero que a los que han leido el post pero no han visto la película les entren ganas ganísimas de verla porque merece la pena.

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Categorías: Cartelería

El cartel es la carta de presentación de la película. En él descubrimos la temática del film mediante la composición, los colores, la fotografía, la tipografía… Un conjunto de estos es lo que crea que en una sola imagen podamos hacer una primera valoración de film.

Pero como creo que todo se merece una segunda oportunidad,  también postearé sobre esos carteles que se desecharon, o que con gran valentía se llegaron a publicar pero que mejor habían acabado en un cuarto bien oscuro.

Los errores están para aprender de ellos, ¿no creéis?