La última gran obra de Kubrick “Eyes Wide Shut”

Hoy hablaré sobre Eyes Wide Shut (1990) por ser la última película de Stanley Kubrick y tratarse de una impresionante historia más psicológica de lo que puede aparentar a primera vista, una característica fundamental del director. Se trata de una adaptación del libro de Arthur SchnitzlerRelato Soñado“, en el que se habla de las relaciones maritales a través del miedo de los celos, las fantasías sexuales y la infidelidad.

Bill (Tom Cruise) es un médico neoyorquino al que la vida parece ir muy bien, tiene una buena y preciosa mujer, una encantadora hija y un trabajo que le apasiona. Stanley nos muestra a una pareja totalmente confiada y segura de si misma, tanto que llega a ser extremista cuando los dos acuden a una fiesta y cada uno se permite el lujo de coquetear con personas del sexo opuesto, siempre manteniendo los límites que separan lo permitido a lo prohibido y deseado.

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Al día siguiente de la fiesta, después de fumar marihuana, Alice (Nicole Kidman) le cuenta a su marido una historia en la cual aparece otro hombre de por medio. Durante unas vacaciones, sintió un deseo incontrolable por un oficial de la marina que se alojaba en el mismo hotel y que, si él se lo hubiera pedido, habría abandonado a su marido y a su hija.

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A partir de este momento, el momento en el que Alice se sincera y le hace ver que la relación de ambos se ha mantenido con una extrema confianza, pero que realmente jamás han abierto sus corazones hasta el punto de contarse el uno a otro un gran secreto como ese, Bill cambia totalmente de estado anímico, se derrumba y es incapaz de sacar la imagen de su mujer con el oficial de su cabeza. Su obsesión llega al punto de poner en peligro su matrimonio llegando casi a la infidelidad a causa de la fantasía de Alice.

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Puede parecer que después de esto Bill desee vengarse de Alice en esas situaciones en las que roza el sexo con otras mujeres pero que nunca llegan a suceder, pero puede que, esas escapadas sexuales de Bill se deban a la necesidad de saber más acerca del deseo femenino y encontrar algún modo saludable para regresar con su mujer.

Aquí es cuando las máscaras tienen una gran relevancia en la historia. Simbolizan los miedos y las inquietudes y representan el deseo del hombre de ocultarse y a la vez de manifestarse trastornado, escondiendo su verdadera identidad. Por eso, en todas las escenas donde Bill se enfrenta a situaciones de sexo, las máscaras tienen una gran presencia. Este elemento representa los secretos ocultos de Bill a su mujer, todo lo que no ha sido capaz de contarle.

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El cartel original han dejado de lado la imagen de las máscaras centrándose más en el rostro, la mirada y los pensamientos de Alice, ya que son los causantes del estado de ánimo y de las acciones de Bill. Podemos ver la imagen de ambos besándose reflejada en un espejo, pero la mirada de ella se encuentra perdida, sin deseo, puede que fantaseando con ese hombre que tanto está presente en su mente, o simplemente pensando en como su “perfecto” matrimonio esconde una realidad distinta; están pasando una crisis en la que ella es la única consciente y en la que el sexo va a ejercer el papel principal. ¿Por qué un espejo? Como es muy habitual en el cine, el espejo hace de símbolo de lo engañoso de las apariencias.

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Por otra parte esta el color de fondo. El morado equilibra la mente y ayuda a transformar las obsesiones y los miedos, exactamente lo que le ocurre a Bill después de que Alice le contara la historia del oficial. Se dice que las personas atraídas por este color deben tener cuidado por no dejarse llevar y vivir en el mundo de fantasía.

Kubrick, que nunca disfrutó de taquillazos, ya que sus películas alcanzaron la fama y el prestigio con el paso del tiempo, obtuvo un increíble número de taquilla en muchos de los países donde se estrenó. Una pena que muriera el día después de proyectar la cinta a los representantes de Warner Brothers.

Y por último, como diría Andrei Tarkovski en su libro “Esculpir en el tiempo“: La obra de arte lo es más cuando más ocultas quedan las intenciones del autor”.

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Hitchcock y el plano secuencia de un “crimen perfecto” en La Soga

Cuando a Hitchcock lo llaman genio es por haber creado sobre todo, cosas como esta: La Soga (Rope), de 1948. Este director es capaz de elegir un reparto tan bueno que consiga actuar en tiempo real durante unos 10 minutos, sin ningún corte. Es lo que hizo en esta película, que fue una gran oportunidad para los actores, ya que demuestran su gran profesionalidad mediante estas ininterrumpidas actuaciones. Y es que es increíble el falso plano secuencia de toda la película, y digo falso debido a las limitaciones de la bobina, que en esos años duraba, como he comentado antes, unos 10 minutos, por lo que el director tuvo que realizar varios cortes. Pero supo disimularlo de tal forma que son pocos los cortes que llegamos a apreciar, ya que juega con el acercamiento de la cámara en la vestimenta de los actores, creando un oscuro plano que empatará con el siguiente. Pero mejor empecemos desde el principio:

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Fue la primera película que Hitchcock rodó en Technicolor, por lo que se cuidó al máximo la imagen a la hora de realizar el rodaje. Se trata de una historia basada en hechos reales y llevada al cine como tal. Ese plano secuencia tan espectacular nos muestra una obra teatral en la que la cámara juega continuamente con diferentes planos y puntos de vista diferentes. La cámara recorre el escenario con gran soltura demostrando un gran manejo de la misma.

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El argumento es más o menos el siguiente: Dos estudiantes universitarios, aparentemente homosexuales (en la película no se menciona la orientación sexual, pero hay bastantes detalles que lo confirman) deciden cometer el crimen perfecto asesinando a un compañero de ambos, cuyo cuerpo esconderán en un arcón de madera en el cual se servirá la cena de algunos de los familiares y amigos de la víctima que estarán invitados esa noche por los dos criminales como engaño. Una fiesta que se celebrará a modo de despedida por el ya asesinado compañero. Eso sí, nadie lo sabrá. Pero uno de los invitados, el astuto criminólogo profesor de los protagonistas James Stewart (grandiosa actuación), que siempre a sostenido que el crimen perfecto no existe, tendrá sus sospechas.

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Tenemos que tener en cuenta que nos encontramos con dos personajes totalmente opuestos. Brandon, un joven brillante e intelectual, muy seguro de sí mismo y con cierta superioridad hacia los demás, que se encuentra excitado por el crimen que acaban de cometer. Y Philip, mucho más débil, nervioso, indeciso, siempre a la sombra de Brandon sin tomar nunca sus propias decisiones, y que se encuentra acomplejado por la acción que acaban de realizar. Por lo que, esta mezcla de sentimientos de cada uno, crearán una increíble tensión en el transcurso de la fiesta.

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Lo más interesante de esta historia es que el “superhombre” de Nietzsche esta muy presente en el film, ya que a raíz de esa teoría, a lo que Brandon quiere llegar con el asesinato es a demostrar que ese acto puede llegar a ser un arte, solo si la persona que lo realiza es superior intelectualmente que la víctima. Es decir, las leyes sociales que los hombres han creado van dirigidas a las personas mediocres mientras que una persona de gran intelecto y superioridad fabrica las suyas propias.

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La película no tiene unos títulos de crédito para echar cohetes, pero he encontrado tres versiones en Vimeo muy interesantes. El primero me ha gustado bastante, puede que el que más. Trabajo de una estudiante de diseño gráfico (Analia) pero que por desgracia no he podido encontrar más información sobre ella desquitado su cuenta en Vimeo. La estética es muy Saul Bass y la música es brillante.

El segundo es de Alejandro Avalo, y lo único que he podido encontrar de él es su intesante flickr. Esta versión es mucho más moderna y oscura, y simplemente nos muestra todos los objetos identificativos de la película que junto con la música nos transmite un misterio descomunal. Para mi gusto, excesivo.

Y por último, la versión de Nelson Zagalo, Profesor en la Universidad de Minho (Portugal). En este caso se ha optado por la simple cuerda que tanta presencia tiene en el film, que finalmente acaba formando el título de la película. Los tres me han gustado bastante ya que tienen un estilo completamente diferente, pero todos encajan perfectamente con el argumento del film, aunque quizás el último sea el que menos me ha convencido.