Hitchcock y el plano secuencia de un “crimen perfecto” en La Soga

Cuando a Hitchcock lo llaman genio es por haber creado sobre todo, cosas como esta: La Soga (Rope), de 1948. Este director es capaz de elegir un reparto tan bueno que consiga actuar en tiempo real durante unos 10 minutos, sin ningún corte. Es lo que hizo en esta película, que fue una gran oportunidad para los actores, ya que demuestran su gran profesionalidad mediante estas ininterrumpidas actuaciones. Y es que es increíble el falso plano secuencia de toda la película, y digo falso debido a las limitaciones de la bobina, que en esos años duraba, como he comentado antes, unos 10 minutos, por lo que el director tuvo que realizar varios cortes. Pero supo disimularlo de tal forma que son pocos los cortes que llegamos a apreciar, ya que juega con el acercamiento de la cámara en la vestimenta de los actores, creando un oscuro plano que empatará con el siguiente. Pero mejor empecemos desde el principio:

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Fue la primera película que Hitchcock rodó en Technicolor, por lo que se cuidó al máximo la imagen a la hora de realizar el rodaje. Se trata de una historia basada en hechos reales y llevada al cine como tal. Ese plano secuencia tan espectacular nos muestra una obra teatral en la que la cámara juega continuamente con diferentes planos y puntos de vista diferentes. La cámara recorre el escenario con gran soltura demostrando un gran manejo de la misma.

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El argumento es más o menos el siguiente: Dos estudiantes universitarios, aparentemente homosexuales (en la película no se menciona la orientación sexual, pero hay bastantes detalles que lo confirman) deciden cometer el crimen perfecto asesinando a un compañero de ambos, cuyo cuerpo esconderán en un arcón de madera en el cual se servirá la cena de algunos de los familiares y amigos de la víctima que estarán invitados esa noche por los dos criminales como engaño. Una fiesta que se celebrará a modo de despedida por el ya asesinado compañero. Eso sí, nadie lo sabrá. Pero uno de los invitados, el astuto criminólogo profesor de los protagonistas James Stewart (grandiosa actuación), que siempre a sostenido que el crimen perfecto no existe, tendrá sus sospechas.

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Tenemos que tener en cuenta que nos encontramos con dos personajes totalmente opuestos. Brandon, un joven brillante e intelectual, muy seguro de sí mismo y con cierta superioridad hacia los demás, que se encuentra excitado por el crimen que acaban de cometer. Y Philip, mucho más débil, nervioso, indeciso, siempre a la sombra de Brandon sin tomar nunca sus propias decisiones, y que se encuentra acomplejado por la acción que acaban de realizar. Por lo que, esta mezcla de sentimientos de cada uno, crearán una increíble tensión en el transcurso de la fiesta.

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Lo más interesante de esta historia es que el “superhombre” de Nietzsche esta muy presente en el film, ya que a raíz de esa teoría, a lo que Brandon quiere llegar con el asesinato es a demostrar que ese acto puede llegar a ser un arte, solo si la persona que lo realiza es superior intelectualmente que la víctima. Es decir, las leyes sociales que los hombres han creado van dirigidas a las personas mediocres mientras que una persona de gran intelecto y superioridad fabrica las suyas propias.

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La película no tiene unos títulos de crédito para echar cohetes, pero he encontrado tres versiones en Vimeo muy interesantes. El primero me ha gustado bastante, puede que el que más. Trabajo de una estudiante de diseño gráfico (Analia) pero que por desgracia no he podido encontrar más información sobre ella desquitado su cuenta en Vimeo. La estética es muy Saul Bass y la música es brillante.

El segundo es de Alejandro Avalo, y lo único que he podido encontrar de él es su intesante flickr. Esta versión es mucho más moderna y oscura, y simplemente nos muestra todos los objetos identificativos de la película que junto con la música nos transmite un misterio descomunal. Para mi gusto, excesivo.

Y por último, la versión de Nelson Zagalo, Profesor en la Universidad de Minho (Portugal). En este caso se ha optado por la simple cuerda que tanta presencia tiene en el film, que finalmente acaba formando el título de la película. Los tres me han gustado bastante ya que tienen un estilo completamente diferente, pero todos encajan perfectamente con el argumento del film, aunque quizás el último sea el que menos me ha convencido.

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Versiones de “Vértigo” en diferentes países.

Después del “modo off” de las vacaciones de navidad, dedicándome básicamente a comer como si no hubiera mañana, arranco con el blog publicando mi primer post. Ayer volví a ver “Vértigo” de Hitchcock, y al acabar me dije… “voy a buscar las diferentes versiones de cartelería que se crearon en cada país” y lo hice. Aunque la versión más extendida fue el diseño que realizó Saul Bass, (que por cierto, también creó los títulos de crédito del film) descubrí otros la mar de interesantes. Vértigo es una espiral de amor, muerte, obsesión, necrofilia y acrofobia, y se plasmará en cada uno de los diseños.

Como acabo de comentar, esta es la versión más extendida creada por Bass. Es uno de lo carteles que aparecen en casi todas las clasificaciones oficiales que se han hecho incluyendo a los 10, 25 o 50 mejores carteles de la historia del cine. Es un cartel simple pero refleja la idea de la película, la espiral en la que se encuentra el protagonista en un abismo insalubre.

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Ahora comenzamos con los no tan conocidos. He encontrado la versión japonesa, que nada tiene que ver con el diseño de Saul Bass. Se trata de un caso mas explícito, ya que se basa en escenas y escenarios de la película dando a entender principalmente que hay un romance, dejando de lado la angustia y el misterio que el protagonista sufre desde la mitad de la película hasta el final.

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El diseño alemán contiene muchos más elementos. En primer lugar el ojo con la espirar insertada en la pupila, elemento principal de los títulos de crédito. A la derecha los retratos de Madeleine y Judy, las dos caras de una misma moneda. El de Judy en segundo plano, con un tono más grisáceo y frío. A la izquierda el momento de la caída desde el campanario y la expresión de angustia y sufrimiento de James Stewart ante la aterradora escena. Todo esto, junto con el color rojo que nos transmite violencia, sangre, pero a la vez amor y pasión, hace que para mí sea uno de los carteles más completos.

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Y por último la versión polaca. Es el diseño más diferente y peculiar de todos los que he visto. Se trata de una calavera que hace referencia principalmente a la muerte, cuya dentadura muerde el título de la película en polaco, y a su vez, en la parte inferior, la silueta de dos piernas, como si devorara a un hombre. Aunque no estoy muy segura, supongo que esos círculos en forma de diana harán referencia a la espiral, símbolo predominante del film.

¿Por qué la imagen tan clara de la muerte? Porque es el tema principal del film, predominando entre el amor, las fobias y la obsesión…  Ya que la película se basa en una mujer muerta que parece tomar vida en el cuerpo de otra mujer con tendencias suicidas, que se convierte en la amada de Scottie y más tarde en su amada muerta.

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Estos han sido, para mí, los más interesantes, pero aquí dejo una galería con otras versiones que merece la pena echa un ojo. Espero que a los que han leido el post pero no han visto la película les entren ganas ganísimas de verla porque merece la pena.

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